Klänge und Verse des westlichen Pelobaten

Klänge und Verse des westlichen Pelobaten

Von Tieren ausgestrahlte Geräusche

Die Verse des westlichen Pelobats

Der westliche Pelobat, wissenschaftlicher Name Pelobates Cultripes ist eine FamilienkrötePelobatidae. Männchen, besonders während der Brutzeit (Februar-April), rufen in der Dämmerung und in den Nachtstunden hohe Anrufe an, um Weibchen anzulocken. Wenn der Tag düster oder regnerisch ist, schreien sie auch tagsüber.
Gesang kann auch unter Wasser erzeugt werden.


Mit Geräuschen erzählen

Alles um uns herum ist Musik

Es gibt die Musik der Natur und der Instrumente, die Musik der Freude und der Trauer, die Musik der Militärmärsche und der Partys, die Musik zum Tanzen und zum Beten. Musik umhüllt das Leben aller, begleitet glückliche und schmerzhafte Momente, heute wie in der Vergangenheit.

Wie viele Musik gibt es?

Unser Leben spielt sich in Umgebungen ab, die reich an Geräuschen sind. Aber wir achten selten wirklich darauf. Meistens leben wir inmitten von Geräuschen und Geräuschen, ohne auf sie zu achten. Und selbst wenn Geräusche keine Musik sind, wäre es wichtig, wie viele Musiker uns eingeladen haben, die Welt sowohl mit den Ohren als auch mit den Augen zu kennen. Einige Musiker des 20. Jahrhunderts hatten das Bedürfnis, die Geräusche und Geräusche der Außenwelt in ihre Kompositionen einzufügen: Gustav Mahler lässt uns Kuhglocken in einer Symphonie hören, George Gershwin die Hörner von Taxis, andere noch das Ticken von Autos zum Schreiben, das Pfeifen von Sirenen, das Dröhnen von Flugzeugen im Flug.

Es gibt Musik für alle

Musik ist eine Sprache, die verschiedene Kulturen und Welten verbinden kann, universelle Gefühle ausdrückt und tiefe Emotionen hervorruft. Es gibt verschiedene Arten, wie wir es hören, und es ist schwierig, wenn nicht unmöglich, die richtigen Worte zu finden, um zu sagen, was das Hören in jedem von uns verursacht. Von einer Musik können wir sagen, ob sie glücklich oder traurig ist, ein bisschen mehr. Wir wissen jedoch, welche Emotionen es in uns hervorruft, wenn es uns bewegt, erregt oder glücklich macht. Deshalb liebt nicht jeder die gleiche Musik, weil jeder beim Hören findet, was er braucht oder was am meisten auf seine Stimmung reagiert.

Die erste Musik

Es war der Mann aus der Altsteinzeit, der die ersten musikalischen Formen schuf, indem er Klangobjekte verwendete, die aus den ihm zur Verfügung stehenden natürlichen Materialien gebaut wurden. Aus den Felsdarstellungen und aus den Studien über primitive Völker kann angenommen werden, dass der Mensch Geräusche geschaffen hat, um die Natur nachzuahmen und Wasser, Wind, Regen und Tier zu fühlen. Dann organisierte er diese Klänge, um eine Melodie und einen Rhythmus aufzubauen: Er lernte zu komponieren und hätte kurz darauf die außergewöhnliche Kraft der Musik erkannt: das Ausdrücken von Emotionen mit Klängen, auch ohne spezifische Hinweise auf Naturphänomene.

Die Legenden, die die Musik erzählen

Die alten Ägypter nannten Musik hy, dh "Freude", dachten sie, es sei ein Geschenk der Götter und besaßen magische Kräfte. Sie glaubten, dass der Gott Thoth, Hüter des universellen Wissens, es erfunden hatte und dass Osiris es benutzt hatte, um Ordnung, Zivilisation und Schönheit in die Welt zu bringen. Wie die Ägypter dachten andere orientalische Völker, Musik habe göttlichen Ursprung: In den heiligen Büchern Indiens heißt es, der Schöpfer des Universums sei nichts weiter als ein gesunder Atemzug, eine heilige Silbe, eine kleine Musik von immenser Kraft.

Die berühmteste Legende, die mit Musik verbunden ist, betrifft den mythischen Sänger Orpheus, den Sohn des griechischen Gottes Apollo, dem Erfinder der Leier. Der Mythos erzählt, dass, als Orpheus sang, die Vögel und Fische zu seinen Füßen liefen, der Wind und das Meer aufhörten, die Bäume und die Steine ​​ihm folgten. Die Magie seiner Musik, sein verzweifeltes Lied für den plötzlichen Tod der Braut Eurydike, bewegte sogar Pluto, den Herrn der Unterwelt, der Orpheus erlaubte, in sein Königreich einzutreten, um sie wieder zum Leben zu erwecken.

Viele Musiker haben die Geschichte von Orpheus erzählt, sicherlich weil sie dadurch die außergewöhnliche Kraft der Musik erzählen konnten, die sogar den Tod besiegen konnte. Claudio Monteverdi war der erste, der 1607 ein ganzes Werk dem Mythos des Orpheus widmete. Er blieb dem traurigen Ende des Mythos treu: Orpheus kann Eurydike nicht retten, weil er die von Pluto festgelegte Bedingung nicht respektiert und sich umdreht, um seine Geliebte anzusehen. Im 18. Jahrhundert gewährte Christoph Willibald von Gluck in seiner Arbeit der Geschichte dank der Intervention des Gottes Liebe ein Happy End.

Die Elemente der Musik

Eine Melodie zum Brummen, ein Rhythmus zum Trommeln, Harmonie zum Mischen von allem und schließlich nach Ihrer Wahl zarte oder starke, hohe oder niedrige, dunkle oder klare Klänge. Die Geschwindigkeit, mit der die Noten aufeinander folgen, kann je nach Geschmack variieren: Die Musik kann schnell wie eine Gazelle laufen, wie ein verrückter Whirlpool wirbeln oder langsam fließen wie das Wasser eines ruhigen Flusses.

Die große Vielfalt an Sounds

Hoch oder leise, laut oder schwach, schnell oder langsam, hell oder dunkel: Jede Musik besteht aus Klängen mit unterschiedlichen Eigenschaften in Tonhöhe, Intensität, Dauer und Klangfarbe. Stellen Sie sich den Triller einer Nachtigall oder das Quietschen einer Maus vor: ihre Stimmen hohe Tonhöhen fliegen hoch in der Luft. Im Gegenteil, das Dröhnen des Donners trifft uns mit tiefen und tiefen Geräuschen. Dies ist dasHöhe.

Es gibt Geräusche, die so unmerklich sind, dass sie die Stille wie ein Frühlingsregen berühren, andere sind so leicht wie das Plätschern der Wellen an der Küste, wieder andere so stark wie das Dröhnen eines Wasserfalls oder das Dröhnen eines Flugzeugs. Dies ist dasIntensität oder Lautstärke. Ein weiteres wichtiges Element der Sounds ist das Dauer. Ein Geräusch kann lang und anhaltend sein wie das Echo einer Stimme, die in einem tiefen Tal abprallt, oder kurz und flüchtig wie ein Fingerschnipsen.

Das letzte Element ist das Stempel, das ist die 'Farbe' des Klangs, die von Instrument zu Instrument unterschiedlich ist. Dieselbe Note, die von verschiedenen Instrumenten produziert wird, hat unterschiedliche Klangfarben. EIN Dort gespielt von der Oboe ist es nasal und klagend, es ist hell und hell, wenn es von einer Trompete gespielt wird, es ist dunkel und tief, wenn es von einem Kontrabass erzeugt wird.

Die Zutaten der Musik: Melodie, Harmonie und Rhythmus

Um ein Musikstück zu komponieren, reicht es sicherlich nicht aus, eine Folge von Klängen zu klingeln: Man muss wissen, wie man sich ihnen mit einem bestimmten Geschmack unter Beachtung präziser Kompositionsregeln nähert. Oft summen wir eine Melodie, die bei uns hängen geblieben ist: um uns daran zu erinnern, dass es die ist Melodie Was, wenn es gut gebaut ist, angenehm ist und die Kraft hat, eine Emotion in uns zu wecken, uns zu bewegen, uns zu beruhigen.

Wie schön auch immer, eine Melodie ohne Begleitung würde verloren gehen. Es muss unterstützt und von „freundlichen“ Noten begleitet werden, die weniger auffällig und einprägsam sind, aber in der Lage sind, dem Stück sein eigenes zu geben Harmonie. Letzte Zutat ist die Rhythmus. Oft hört man sich ein fröhliches und packendes Musikstück an und beginnt, ohne darüber nachzudenken, die Füße zu bewegen, den Kopf zu schwingen oder in die Hände zu klatschen. Ohne es zu wissen, sind wir es die Zeit schlagenDas heißt, wir wiederholen die Abfolge von starken und schwachen Schlägen innerhalb des Stücks. Das ist der Rhythmus: Wenn wir es fühlen, können wir nur darauf tanzen!

Wie schreibe ich Musik?

Wie schreibe ich die Noten, die eine Flöte oder eine Bratsche spielen muss, auf Papier? Problem, das nicht einfach zu lösen war, da es sich um Geräusche handelt, die von Natur aus schwer fassbar und in der Luft schwebend sind. Aber nach und nach wurde die Lösung gefunden. Zuerst, als Instrumente noch nicht benutzt wurden und Musik nur durch Singen gemacht wurde, wurden kleine Zeichen verwendet, die über oder unter den Wörtern der zu intonierenden Texte geschrieben waren. Sie wurden gerufen neumes und zeigt an, wann die Melodie runter oder rauf gehen soll. Aber um wie viel rauf und runter gehen? Und in Bezug auf was?

Der Mönch Guido d'Arezzo dachte daran, eine Lösung zu finden. Um das Jahr 1000 erfand er das musikalische Personal, auf das diese Zeichen geschrieben werden sollten, um ihre Höhe genau anzuzeigen. Er tat mehr: Er gab den kleinen Schildern einen Namen, um sie auf den Stab zu schreiben. Die Noten waren geboren, das Alphabet der Musik und genau: ut (später umgewandelt in machen), König, mich, tut, Sol, Dort, Ja. Es war noch ein Problem zu lösen: Wie kann man die Dauer der Töne auf Papier markieren? Ab dem 13. Jahrhundert verwendeten Komponisten eine Form für lange Noten und eine andere für kurze, eine Methode, die, wenig modifiziert, bis heute angewendet wird.

Körpermusik: Tänze, Tänze und Ballette

Tanz ist die Sprache des Körpers. Die Männer der Ursprünge begannen bereits zuvor mit Worten mit Gesten miteinander zu kommunizieren. Dann riefen sie mit der rhythmischen Bewegung der Hände, Füße und des ganzen Körpers die Ankunft des Regens hervor, feierten den Sieg über den Feind, gefolgt von Hochzeits- und Trauerprozessionen.

Wir sind aus Rhythmus gemacht

Wenn wir auf unseren Körper hören, entdecken wir, dass wir den Rhythmus in uns tragen: schneller oder langsamer schlägt unser Herz ununterbrochen. Es ist daher selbstverständlich, sich beim Musikhören rechtzeitig zu bewegen. Unsere Vorfahren auch: Sie kombinierten die Bewegung mit Musik und führten zu tanzen.

Für die alten Völker hatte die Körpersprache eine heilige Bedeutung. Noch heute tanzen auf dem ältesten Kontinent der Welt, Afrika, einige Stämme, bevor sie auf die Jagd gehen. Dabei ahmen sie die Schritte der Tiere nach, die sie töten wollen: Auf diese Weise glauben sie, ihre Stärke in Besitz nehmen und sie einfangen zu können.

Satin Hausschuhe und Turnschuhe

Nachdem der magische und religiöse Aspekt aufgegeben wurde, ist der Tanz zu einer Form von Kunst und Unterhaltung geworden, die im Osten wie im Westen unterschiedliche Formen und Formen angenommen hat. In Frankreich, zur Zeit des Sonnenkönigs, dh zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert, entwickelte sich das Ballett nach präzisen Mustern, die für diejenigen, die es praktizieren möchten, jahrelanges Studium erfordern.

Im Russland des späten 19. Jahrhunderts wurden die berühmtesten Ballette aller Zeiten komponiert. Pëtr Il'ič Čajkovskij zeichnete sich durch seine Fähigkeit aus, die Themen und die märchenhafte Atmosphäre der Geschichten, die ihn inspirierten und sein berühmtestes Ballett komponierten, in Musik zu übersetzen. Schwanenseefür die Enkelkinder.

Im klassischen Ballett tanzen die Tänzer im flatternden Tutus dank Kreide-Zehen-Schuhen auf Spitzen und folgen Mustern und Bewegungen, die durch die Tradition fest verankert sind. Aber was für eine Anstrengung! Was für tolle Stunts! Sie sehen aus wie fliegende Schmetterlinge.

Stattdessen kleiden sich Tänzer in modernen Balletttänzern oft in Jeans und T-Shirts, tanzen barfuß oder mit Turnschuhen und bewegen sich in freieren und prägnanteren Formen. Ihre Bewegungen und nicht der Flug eines Schmetterlings lassen auf die Pfote eines Löwen oder die Sprünge eines Kängurus schließen. Der moderne Tanz hat seine Wurzeln in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts: Damals war die amerikanische Tänzerin Isadora Duncan die Schöpferin des freier Tanzund Martha Graham erfand einen Tanz ohne Tutus und Schuhe, lehrte, die Quelle der Inspiration in sich selbst zu finden und die Rhythmen des Jazz und die Gesten populärer Traditionen in diese neuen Tanzformen einzufügen.

Walzer, Tango, Boogie-Woogie und Rock and Roll

Sie tanzen nicht nur auf einer Theaterbühne! In jedem Zeitalter der Vergangenheit, in den Hallen aristokratischer Paläste oder auf den Dreschböden des Landes, wurden die Menschen unterhalten, indem sie zum Klang eines Instruments tanzten.

Ende des 19. Jahrhunderts verwandelte der Walzer Wien in einen großen Ballsaal. Es war ein Tanz bäuerlichen Ursprungs, überwältigend und sprudelnd. Noch heute sind die Walzer der großen österreichischen Tradition sehr berühmt, einschließlich der sehr berühmten Auf der schönen blauen Donau, komponiert von Johann Strauss.

In Argentinien wurde in den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts der Tango geboren, ein Tanz, in dem sich Traurigkeit, Nostalgie, aber auch Wut und Mut vermischen. Der Tango stammt aus kubanischen Rhythmen, gemischt mit afrikanischen Motiven, die von schwarzen Sklaven nach Lateinamerika gebracht wurden. Zwei Tangueros sie erkennen sich sofort: sie halten sich fest, schauen sich intensiv an, verflechten Beine und Arme in komplizierter Akrobatik und führen dann wieder flüssige und sinnliche Bewegungen aus. Sie scheinen von der Leidenschaft, die Musik vermittelt, verzaubert zu sein.

Am Ende des Zweiten Weltkriegs wurde in den Vereinigten Staaten in einem Klima großer Begeisterung die Art und Weise, wie junge Menschen Musik machten und tanzten, heftig erschüttert: im Wohnzimmer, in den Clubs und manchmal sogar auf der Straße, Wir warfen uns in rasenden Boogie-Woogie und entfesselten Rock'n'Roll und zeigten spektakuläre Stunts.

Ein Werkzeug für alle: die Stimme

Es gibt vier kleine Falten im Hals eines jeden von uns. Sie werden Stimmbänder genannt und obwohl sie überhaupt nicht denen der Geige oder Gitarre ähneln, werden sie zum Musizieren verwendet. Wenn sie durch das Studium an Sonderschulen gut „ausgebildet“ sind, können wir zur Freude des Hörers zarte und harmonische Melodien, Triller und Träller ausstrahlen.

Was für eine Art, diese Stimme!

Sogar die Stimme, die singt, wie die, die spricht, obwohl sie sich im Laufe der Zeit ändert, ist einzigartig und unnachahmlich wie ein Fingerabdruck. Die Dicke der Stimmbänder, ihre Länge, die Größe der Lunge und die Art und Weise, wie jeder Sänger sie erzogen hat, tragen dazu bei, dass sich jede Stimme von der anderen unterscheidet.

Opernsänger werden je nach Klangfarbe, Farbe und Stimmumfang in verschiedene Typen eingeteilt: Tenöre, Baritone und Bässe sind die männlichen Sopranstimmen, Mezzosopranistinnen und Altstimmen die weiblichen. Tenöre ist Sopranistinnen Sie haben hohe, bewegliche und helle Stimmen Alt ist Bass Sie haben tiefe und ernste Stimmen. Stattdessen werden die Kinderstimmen gerufen weiße Stimmen und sie sind klar, klar und kristallin.

Im Chor singen

In einem Chor zu singen ist sehr schön: Es schafft ein großes Gefühl von Solidarität und Freundschaft und ist eine Möglichkeit zu lernen, sich selbst und anderen zuzuhören. Sie können schon in jungen Jahren einem Chor beitreten: eine großartige Gelegenheit, die Welt der Musik von innen kennenzulernen und an Shows teilzunehmen.

In der christlichen Tradition begann der Chorgesang auf sehr einfache Weise: Die Gläubigen überlagerten die Worte des Lobpreises an Gott mit einer leichten Melodie ohne wirklichen Rhythmus und Harmonie. Diese Art zu singen wurde genannt Gregorianischer Gesangzu Ehren von Papst Gregor dem Großen, der sich im 6. Jahrhundert darum bemühte, seine Verwendung zu verbreiten. Der Papst sammelte alle Lieder in einem Manuskript, das er mit einer Goldkette an den Altar des heiligen Petrus gebunden hatte: Er ließ viele Exemplare dieses Buches anfertigen und gründete Schulen, die den gregorianischen Gesang überall verbreiteten.

Großartige Musiker und Chormusik

Viele große Musiker haben intensive Seiten der Chormusik geschrieben: Ludwig van Beethoven wollte beispielsweise in seiner neuesten Symphonie einen Chorpart vorstellen, mit dem er Frieden und universelle Brüderlichkeit einladen wollte. Er glaubte - und er hatte sicherlich Recht -, dass die Einladung gerade wegen der Präsenz und Verflechtung von Instrumentalmusik, Solostimmen und Chor bewegender und einnehmender sein würde. Nach den Versen eines großen Dichters komponierte er dieOde an die Freude, die heute die offizielle Hymne der Europäischen Union geworden ist.

Sogar die Opern von Giuseppe Verdi greifen oft auf Chormomente von großer Kraft und Schönheit zurück. Sehr berühmt ist die Denk nach, Auf der Arbeit Nabucco: ein süßes und melancholisches Lied, das das jüdische Volk im Exil intoniert, um seine Nostalgie für seine verlorene Heimat auszudrücken.

Die tausend Arten zu singen

Die menschliche Stimme ist das einfachste Werkzeug zum Musizieren. Und tatsächlich benutzen wir es fast alle. Es wird gesungen, um Kinder zum Einschlafen zu bringen, um zu feiern, um Rhythmen der Arbeit, des Marsches oder des Tanzes zu markieren. Manchmal singen Menschen, um ihren Dissens auszudrücken und Wut, Schmerz oder Glück freien Lauf zu lassen. Und wir singen, um in Kirchen zu beten, aber nicht nur. Einige großartige Lieder der Anrufung Gottes wurden spontan am Arbeitsplatz geboren, zum Beispiel auf den Baumwollfeldern, wo einst die Afrikaner einfache und ergreifende Lieder versklavten, improvisierten, ähnlich wie Schmerzens- und Rebellionsschreie. Diese Songs heißen Evangelium ist spirituell: Heute werden sie nicht mehr auf den Feldern, sondern in Kirchen und Konzertsälen gesungen und sind Teil der Musikgeschichte geworden.

Mit der Stimme können Sie auch lustige und lustige Dinge tun, wie zum Beispiel Musikinstrumente imitieren. Der Swingle Singers Chor wurde dafür berühmt: Anstatt zu singen, benutzen sie ihre Stimme, um… zu spielen. Die Swingle Singers imitieren perfekt Flöten und Posaunen, Violinen und Bassdrums. Dieser Chor besteht nur aus acht Personen, vier Frauen und vier Männern, aber es klingt wie ein ganzes Orchester, es zu hören!

Wenn Musik das Wort trifft

Im Opernhaus erzählen die Charaktere, anstatt zu sprechen, zu singen und zu singen, ihre Geschichten, fantastisch oder lustig, tragisch oder mit einem Happy End. In dieser seltsamen Welt der Musik und der Worte verzaubert seit 400 Jahren oder länger die Zuhörer immer wieder die kraftvolle Schönheit des Singens.

Die Magie der Oper

Die Figuren der Oper singen immer. Sie singen, während sie in einem Duell mit dem Tod zusammenstoßen oder sogar während sie sterben. Als die Oper im frühen 17. Jahrhundert in Florenz geboren wurde, war die Idee, einen Text von oben nach unten zu vertonen, eine absolute Neuheit.

In mancher Hinsicht ähnelt die Arbeit Märchen, in denen das Unglaubliche plausibel und das Unwahrscheinliche akzeptabel wird. So kann es passieren, wie es in der Arbeit passiert Don Giovanni von Wolfgang Amadeus Mozart, der nachts auf einem Friedhof plötzlich eine Marmorstatue zu singen beginnt, seinen Mörder mit einer Stimme von jenseits des Grabes bedroht, eine Einladung zum Abendessen von ihm annimmt, pünktlich zur vereinbarten Zeit auftaucht ... und am Ende Don Giovanni in die Hölle ziehen!

Die Zutaten des Theaters in der Musik

Wenn ein Musiker ein Werk komponieren möchte, sucht er zuerst nach einer Geschichte und einem Dichter, der sie ihm in Versen erzählt. Es wird also einen Text haben, sagte Broschüre, auf dem er seine Partitur komponieren kann.In Wirklichkeit sind die Bestandteile des Werkes drei: der Text, das Lied, das Orchester. Der Komponist kann frei mit ihnen spielen und erhält sehr interessante Effekte. Er kann, wie es in den Werken des 18. und 19. Jahrhunderts der Fall ist, beschließen, die Handlung zu blockieren und den Sänger für eine sehr lange Zeit in akrobatischen Vokalisationen zu starten und ihn immer wieder dieselben Worte wiederholen zu lassen, immer mit verschiedene Intonationen, die jedes Geheimnis der Seele enthüllen. Zu anderen Zeiten kann der Komponist in Szenen großer Aufregung beschließen, die Stimmen mehrerer Charaktere miteinander zu verflechten. Wenn die Harmonie des Liedes nicht beteiligt wäre, könnte das Ergebnis sogar ärgerlich sein, aber es ist nicht so: In beiden Fällen ist die Fähigkeit des Komponisten, Klänge und Stimmen zu kombinieren, so, dass selbst das Verständnis von Wörtern überflüssig ist. Die Musik reicht aus, um alles kristallklar zu machen.

DAS Figuren

In der Oper werden die Charaktere durch die Art und Weise, wie sie singen, und durch die Art der Musik, die der Komponist für jeden von ihnen erfindet, erkennbar gemacht. Weder AschenputtelZum Beispiel lässt Gioacchino Rossini seine Stiefschwestern zu brillanter Musik und scharfen Rhythmen singen, um ihren leichtfertigen, boshaften und aggressiven Charakter zu offenbaren. Aschenputtel hingegen vertraut Rossini sehr süße Melodien an, die mit einem langsamen und ruhigen Lied ausgedrückt werden und dem Hörer nicht nur die gute Natur des Charakters, sondern auch seine Melancholie und seine Einsamkeit verständlich machen.

Was macht Musik mit Worten?

Die Musik, die die Worte eines Librettos „bedeckt“, vervollständigt und vertieft seine Bedeutung. Zum Beispiel im zweiten Akt von Die TraviataVioletta, die Protagonistin, eines der Meisterwerke von Giuseppe Verdi, muss sich von ihrem Geliebten trennen, weil sein Vater gegen ihre Vereinigung ist. Während des letzten Gesprächs spricht Violetta folgende Worte aus: "Lieb mich, Alfredo, wie sehr ich dich liebe. Auf Wiedersehen!". Für eine einfache Lektüre scheint es ein leidenschaftlicher Gruß zwischen zwei Liebenden zu sein, nichts weiter: Aber die Musik und das Lied verändern die Bedeutung des Satzes. Die Geigen explodieren in a sehr starkDas heißt, mit einem sehr intensiven und lebendigen Klang "schreien" die Posaunen eine entmutigende Resignation, während Violetta ein Lied singt, das sowohl ein Plädoyer als auch eine Liebeserklärung ist. Wir hören viel in dieser Musik: den Verzicht auf Glück, die Einsamkeit, zu der Violetta sich selbst verurteilt, das Bewusstsein des nahen Todes.

Musik kann auch dem widersprechen, was der Text sagt, und sich über seine Bedeutung lustig machen. Weder Der Friseur von SevillaDie von Rossini vertonte Protagonistin Rosina stellt sich der Öffentlichkeit vor und erklärt sich für fügsam, nachgiebig und gehorsam. Im Orchester kommentiert das Zischen eines Piccolos (des schärfsten Blasinstruments) diese Aussagen als Spott, wodurch das Publikum versteht, dass die Figur aus einer ganz anderen Art von Material besteht!

Theater in der Musik

Das Musiktheater hat in seiner langen Geschichte und in den verschiedenen Formen, die es allmählich angenommen hat, ein Publikum leidenschaftlicher Zuschauer auf der ganzen Welt erobert. Noch heute sind Werke, die vor vielen Jahren geschrieben wurden, vertreten und behalten ihre Fähigkeit, sich zu unterhalten und zu bewegen, bei.

Komödie in der Musik

Vor Mozart bestand die Oper aus einem starren Wechsel von Dialogteilen und Arien. Im Dialogteil (der sogenannte Rezitativ) Die Musik beschränkte sich auf einige wenige Eingriffe, während der Wortwechsel zwischen den Charakteren die Handlung in derLuft (d. h. in der Melodie), umgekehrt, wurde dem Sänger die Möglichkeit geboten, in rücksichtsloser Virtuosität aufzutreten, aber die Handlung hörte auf. Mozart verband Rezitative und Arien in einem kontinuierlichen musikalischen Fluss, wodurch die Entwicklung der Geschichte spontaner und natürlicher wurde. Mozart komponierte in Zusammenarbeit mit dem italienischen Librettisten Lorenzo Da Ponte mehrere Werke: Die Hochzeit des Figaro, Don Giovanni, Also alle Sie sind echte Komödien in der Musik, und in der Musik, wie im wirklichen Leben, verflechten sich komische und dramatische Momente.

Gioacchino Rossini und die Comic-Oper

In seiner Heimat Neapel war die Comic-Oper sehr beliebt: Das Publikum mochte die einfachen und amüsanten Ereignisse, die nach tausend Höhen und Tiefen mit dem unvermeidlichen Happy End endeten. Rossini gab diesem Musikgenre einen europäischen Ruhm mit einer völlig neuen Vitalität und Energie. Eine der Eigenschaften, die seine Musik auszeichnen, ist der Rhythmus, der sowohl im Schwindel als auch im Schwindel entfesselt wird aufwachsen beides im sensationellen Schlussakt. Im Crescendo wächst, wächst, wächst eine einfache Melodie, die leise gespielt wird, zu einem sehr starken Sprengstoff. L 'Ouvertüre (das Instrumentalstück, das die Oper einführt) de Der Friseur von Sevilla es gewinnt an Geschwindigkeit wie eine Lokomotive, die in einen wahnsinnigen Ansturm gerät, während der zunächst subtile Klang immer vollmundiger wird, wenn die verschiedenen Instrumente des Orchesters hinzugefügt und überlappt werden. Im letzten Akt stehen alle Charaktere gleichzeitig auf der Bühne und werden von einer sehr schnellen Musik überwältigt: Ihre Worte überlappen sich in einem so schnellen Rhythmus, dass sie nicht mehr wiederzuerkennen sind und dies einen unwiderstehlichen Comic-Effekt erzeugt.

Giuseppe Verdi und Melodram

Vincenzo Bellini und Gaetano Donizetti waren die ersten, die das Melodram auf den Höhepunkt des Erfolgs brachten. Die aufregenden Ereignisse von Liebe und Tod, die das Lieblingsthema ihrer Werke waren, wurden mit Musik voller Gefühle und Trägheit bedeckt. Mit Giuseppe Verdi hingegen erweitert sich die Themenauswahl: Die unterschiedlichsten Aspekte des Lebens treten in das Melodram ein. Von der Geschichte bis zur Politik, von familiären Beziehungen bis zu Machtkonflikten, von der Religion bis zu den leidenschaftlichsten Leidenschaften ist alles eine Quelle musikalischer Inspiration für Verdi. Seine Musik, kräftig und prägnant, flackernd und knisternd wie der Funke eines Freudenfeuers, schuf nicht nur unvergessliche Charaktere, sondern entzündete auch die Seelen italienischer Patrioten in der Zeit der Kämpfe um die Vereinigung Italiens.

Während in Europa weiterhin Opern und Operetten geschrieben wurden, wurde in den USA ein spektakuläreres Musikgenre des Theaters immer beliebter: das Musical. Wilde Rhythmen, Melodien, die sich auf Jazz und Blues beziehen, und vor allem großartige Choreografie sind die Grundzutaten. Die Komplexität der Show erfordert Protagonisten, die tanzen, singen und schauspielern können. West Side Geschichte Es ist eines der besten Beispiele für Musicals. Es wurde 1957 von Leonard Bernstein komponiert und schlägt das Thema Romeo und Julia vor, eine kontrastierende Liebesgeschichte zwischen Liebenden, die zu Konfliktgruppen gehören. Ab den siebziger Jahren wird das Musical erneuert und wird auch zu einem Werkzeug für die soziale Analyse mit Werken wie Jesus Christus Superstar, Haar ist Katzen. Noch heute hat das Musical große Erfolge: In Italien war eines der bekanntesten und jüngsten Notre Dame de Paris von Riccardo Cocciante.

Einheit ist Stärke: das Orchester

Sie sind alle da, hundert oder mehr Musiker, in schwarzen Anzügen und gestärkten weißen Hemden. Mit einer Bewegung seines Zauberstabs lenkt der Regisseur ihre Aufmerksamkeit. Heben Sie Ihre Arme und das Geräusch breitet sich in der Halle aus. Das Orchester spielt.

Das große Orchester und seine Instrumente

Das Sinfonieorchester ist ein großes Instrument, das aus vielen Teilen besteht, die zusammen einen abwechslungsreichen Klang voller Farben erzeugen, der das Hören in die Länge ziehen kann. Die Instrumente des Orchesters haben eine gemeinsame Eigenschaft: Je kleiner sie sind, desto höher ist der Klang, den sie erzeugen. Um ein Instrument zu kennen, reicht es nicht aus, auf seine Stimme zu hören und zu wissen, wie es hergestellt wird. Es ist notwendig, seine "Persönlichkeit" zu kennen und seine Funktion innerhalb des Orchesters zu verstehen.

Ein russischer Komponist, Sergej Prokof'ev, Autor eines musikalischen Märchens, kommt zu unserer Rettung Peter und der Wolf, in dem alle Charaktere mit Musikinstrumenten verbunden sind.

Pierino und seine Freunde: Saiten und Winde

In Prokof'evs Märchen ist der Protagonist Pierino, dargestellt als fröhlicher und mutiger Junge. Pierino wird vertreten durch Geigen, Veilchen ist Celli. Auch im Orchester sind diese Instrumente, die zusammen mit den Kontrabässen die Familie der Streicher bilden, die Protagonisten: Sie werden in der Regel mit den wichtigsten Melodien und Themen eines symphonischen Stücks betraut.

Pierino spielt mit seinen Freunden im Wald: einem Vogel, einer Ente und einer Katze. Der kleine Vogel hat die Stimme eines Querflöte. Dieses Instrument aus der Windfamilie hat ein leichtes und klares Timbre und gibt agile und flatternde Noten ab, die an die Bewegungen eines Vogels erinnern. Die Ente, etwas ungeschickt und ungeschickt, wird von gemachtOboe, ein Instrument mit einem nasalen und gereizten Timbre, das den schwingenden Gang des Vogels auf unglaublich realistische Weise darstellt. Aber keine Witze! Innerhalb des Sinfonieorchesters ist die Oboe von grundlegender Bedeutung: Es ist das Instrument, das das gibt Dort', das heißt, es stimmt alle anderen Instrumente, schafft es, ruhige oder melancholische und traurige Atmosphären zu schaffen. Die beweglichen und wachsamen Bewegungen der Katze werden durch einen weiteren Atemzug gut dargestellt, den Klarinette, ein Instrument aus Ebenholz, von einem schönen glänzenden Schwarz, das die Klangfarbe je nach Tonhöhe der Töne ändern kann: hell und hell für die hohen Töne, intim und verträumt für die tieferen.

Der Großvater kommt, um Pierino abrupt ins Haus zurückzurufen, da er befürchtet, dass sich im Wald ein Wolf befindet. Um seinen Großvater zu vertreten, wählt Prokof'ev a Fagott, ein murrendes Instrument, sehr gut geeignet, um auf lustige Situationen hinzuweisen. Es gehört zur Familie der Hölzer und besteht aus einem etwa zweieinhalb Meter langen Fass, das am Ellbogen gefaltet ist. Ein enger Verwandter ist der Kontrafagott, größer und mit einem höhlenartigeren Timbre.

Wolf und Jäger, Blechbläser und Schlagzeug

Der Wolf kommt wirklich mit der bedrohlichen Stimme von drei Hörner und verschlingt in kürzester Zeit die Ente. Das Horn wird so genannt, weil es einst aus Tierhörnern hergestellt wurde. Es ist Teil der Blechbläserfamilie, zu der auch Blasinstrumente aus Messing gehören. Es besteht aus einem vier Meter langen Rohr, das um sich selbst gewickelt ist, und seine Länge gibt ihm den vollen, kraftvollen und königlichen Ton eines alten Wolfes. Die Messingfamilie gehört ebenfalls zur Trompetemit einem klaren und klingelnden Timbre und dem Posaunemit einem kraftvollen und feierlichen Klang. Mit Hilfe seiner Freunde gelingt es Pierino, den Wolf zu fangen und zu fesseln, den er den Jägern gibt, um ihn in den Zoo zu bringen. Prokof'ev benutzt i Trommelfell, große Trommeln, die von schweren Keulen geschlagen wurden, um die Schüsse zu reproduzieren. Das Trommelfell gehört zur zahlreichen Familie der Percussion: gerieben, geschlagen oder gezupft, erzeugen überraschende Soundeffekte und haben vor allem die Aufgabe, den Rhythmus einer musikalischen Komposition zu betonen.

Musikgiganten

Kantaten und Symphonien, Sonaten und Konzerte, Präludien und Fugen: Vom 18. Jahrhundert bis heute eine immense Produktion, die Werke großer und großer Musiker: Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Chopin, Strawinskij, Debussy sind die Hauptfiguren, die dominiert haben drei Jahrhunderte Musik.

Bachs geistliche und profane Musik: die Kunst der Flucht

Der Deutsche Johann Sebastian Bach war vor seiner Tätigkeit als Komponist ein großer Organist und wurde vor allem als solcher zeitlebens geschätzt. Er war auch ein sehr guter Lehrer: Das gut gelaunte CembaloEs wurde als Arbeitsbuch für Studenten geboren und wird heute noch wegen seiner außergewöhnlichen Schönheit aufgeführt und angehört. Ein Großteil seiner immensen Musikproduktion ist von einem tiefen religiösen Gefühl inspiriert: dem Leidenschaftenzweihundert und mehr Singen oder der Magnificat Sie wurden als Hommage an Gott komponiert. In seinen berühmten Fugen verflechten sich verschiedene musikalische Themen in komplexen Klangkonstruktionen. Bach erhebt mit "geometrischer" Präzision Klangdenkmäler, die den mächtigen gotischen Kathedralen ähneln. Passen und modifizieren Sie Themen mit Geschick und Handwerkskunst bis zum mächtigen Schlussakkord.

Die Symphonie: von Mozart bis Beethoven

Die Symphonie, eine Instrumentalkomposition, die normalerweise in vier Teile unterteilt ist, ist eine musikalische Form, die es dem Orchester ermöglicht, die besten Qualitäten der verschiedenen Instrumentenfamilien hervorzuheben. Vor allem die deutsche Musik des 18. und 19. Jahrhunderts bringt die großen Meisterwerke auf diesem Gebiet hervor. Einhundert und mehr Symphonien, kurz und leicht, komponierten Franz Joseph Haydn. Unter den fünfzig Symphonien von Mozart, dem großen österreichischen Musiker, sind viele gelassen, voller Freude und Leichtigkeit, einige andere werden hier und da von Unruhe, Unruhe und Melancholie durchzogen. In seinen neun Symphonien schloss Beethoven das gesamte Universum ein: eine heroische und kämpferische Vision des Lebens, das Ideal der Freiheit, der Liebe zur Natur und der Erhöhung der Menschenwürde. Jede Symphonie ist eine Welt für sich: aus der heroischen Klage der Dritte Symphonie, aus der Darstellung des Kampfes gegen das Schicksal von Fünfte Symphonie, zur ländlichen Süße der Sechste Symphoniezu der Freude, die zum Tanz von einlädt Siebte Symphonie, um mit dem leidenschaftlichen Appell an die universelle Bruderschaft von zu schließen Neunte Symphonie.

Strawinsky und die neue Musiksprache

Igor 'Strawinskij ist einer der großen Protagonisten der modernen Musik. 1913 wurde das Ballett inszeniert Das Frühlingsfest: Die Revolution hatte begonnen. In dieser Komposition erhält Strawinsky wilde Musik vom Orchester, wie ein Ausbruch primitiver Kräfte, der den grausamen und barbarischen Ritus unterstreicht, der im Ballett erzählt wird: das Opfer eines jungen Mädchens, um die Ankunft des Frühlings zu besänftigen. Rhythmus, Harmonie und Melodie, die seit mehr als fünfhundert Jahren praktisch unverändert geblieben sind, ändern sich plötzlich. Insbesondere der Rhythmus, der wahre Protagonist des Balletts, mit seiner überwältigenden Ungestümheit symbolisiert die plötzliche Ankunft des Frühlings nach der schrecklichen Kälte des russischen Winters. Der Rhythmus, der Sie atemlos macht, wird mit dem Klang „Gewalt“ eines gigantischen Orchesters kombiniert, in dem alle Instrumente wie Percussion verwendet werden.

Die tausend Klänge des Klaviers

In den frühen Jahren des 18. Jahrhunderts, als die Familie Stradivari in Cremona die besten Geigen der Welt baute, erfand Bartolomeo Cristofori in Florenz das Klavier, ein Instrument, das die Klänge eines ganzen Orchesters aus den tiefen und dunklen zusammenfassen kann von einem Fagott zu den scharfen von einem Piccolo.

Fryderyk Chopin war der Komponist, der mehr als jeder andere das Potenzial des Klaviers ausschöpfen konnte: in Nocturnes lässt es singen, in Polieren entzündet ihn mit Leidenschaft und in Bildung Verwandeln Sie mechanische Übungen in wunderschöne Klangbilder. Mozart machte das Klavier zu einem Instrument, das zu sanften und fröhlichen Melodien fähig ist. Beethoven behandelte es als eine Mine von Klängen, die entdeckt und miteinander kombiniert werden sollten. Debussy verwendete es, um Stücke mit sehr nuancierten musikalischen "Farben" zu schaffen, während Strawinsky seine Verwendung revolutionierte, indem er es als Schlaginstrument behandelte.

So viele Möglichkeiten zu spielen

Allein oder mit ein paar Begleitern, anlässlich öffentlicher Konzerte oder einfacher mit Freunden, hat das Vergnügen, Musik zu machen, viele Gesichter, ist aber immer aufregend. In jedem Musikgenre, in jedem Alter, in jedem Breitengrad erneuert eine Solo- oder Kleingruppenperformance die Magie der Musik.

DAS Solisten

Der Traum eines jeden Studenten des Konservatoriums ist es, ein Konzertspieler zu werden, vielleicht ein Virtuose seines eigenen Instruments: ein Geiger, der mit seinem kostbaren Stradivarius wie Uto Ughi um die Welt reist, oder ein Pianist, der das Publikum mit dem großartigen Klang eines Grand fasziniert Steinway, wie Maurizio Pollini. Wie viele unsterbliche Seiten wurden für Violine oder Klavier geschrieben, die am häufigsten verwendeten Instrumente für Soloauftritte! Gib ihr Partitas für Solovioline von Bach ai Launen von Paganini, aus Sonaten von Beethoven ai Zwischenspiele von Johannes Brahms.

Kammermusik

Um die Mitte des 18. Jahrhunderts begann die Mittelschicht Europas, sich ebenso für Musik zu begeistern wie die Fürsten, die ganze Orchester- und Operngruppen zur Verfügung hatten. Meine Damen und Herren, nahmen Unterricht bei geschätzten Musikern, sangen und spielten ein Instrument mit Fähigkeiten, die denen von Profis fast gleichwertig waren. Viele spielten gerne für ein kleines Publikum von Stücken Stücke, die von den größten Komponisten der Zeit für sie geschrieben wurden. So entstand Kammermusik (Name abgeleitet von der Tatsache, dass sie ursprünglich in den Hallen der Gerichte aufgeführt wurde), die verschiedene Genres umfasste. Eine der am weitesten verbreiteten Instrumentalformationen ist das Streichquartett: Die vier Instrumente, zwei Violinen, eine Bratsche und ein Cello, spielen komplexe Stücke, deren musikalische Themen sich verflechten und jetzt von einem und dem anderen Instrument "gesungen" werden. Dieselben Komponisten haben sich auch der Kammermusik verschrieben, um mit einer kleinen Gruppe von Freunden Musik zu machen. Haydn und Mozart komponierten echte musikalische Gespräche, in denen die Instrumente miteinander sprechen.

Das Jazzorchester

Jazz ist die Musik der Afroamerikaner: Sie wurde in den USA aus der Verschmelzung der Lieder der Sklaven mit den populären Liedern geboren, die von den europäischen Kolonialherren in die neue Welt gebracht wurden. Die Melancholie ist dort zu finden Blues, geboren aus Sklavenarbeitsliedern und Spirituals, ihren religiösen Liedern und dem Ragtimeoder Musik "in Stücken", dh synkopiert, verschiedene Instrumente sind gemischt, europäisch und afrikanisch, klassisch und elektrisch.

Eine Jazzband wird sofort am typischen "Schwanken" des Rhythmus erkannt, siehe schwingen, für das Timbre von Stimmen und Instrumenten und für die Improvisation. Dies kann kollektiv oder individuell sein: Trompete, Saxophon oder Kontrabass spielen wiederum aufregende Soli. Improvisation in der Jazzmusik hat eine alte Bedeutung: Sie entstand aus dem Bedürfnis von Sklaven, in die Musik der Weißen, die ihnen fremd war, Bedeutungen der schwarzen Gemeinschaft einzuführen. Jazzmusiker bauen eine Klangwelt auf, die sich von der klassischen unterscheidet: Anstelle der „richtigen“ Noten suchen sie nach ungewöhnlichen, deformierten Klängen und spielen mit viel Freiheit.

Ursprünglich spielten Jazzorchester auf Lastwagen in New Orleans, für die das Klavier nicht zur Verfügung gestellt wurde, ein Instrument, das erst später hinzugefügt wurde. Die "Kornettkönige" forderten sich gegenseitig auf der Straße mit ihrem Instrument, ihrer Trompete oder ihrem Saxophon heraus. Die Trompete von Louis Armstrong und Miles Davis sowie das Saxophon von John Coltrane sind berühmt geblieben.

Beim Jazzgesang gibt es auch eine Möglichkeit, die Stimme als echtes Instrument zu verwenden, um schnell bedeutungslose Silben zu emittieren, die nur für ihren Klang verwendet werden: Es ist die scat, ein Gesangsspiel, das ebenso rücksichtslos wie fesselnd ist. Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, großartige Jazzstimmen, haben sich dort hervorgetan, zusammen mit dem außergewöhnlichen Billie Holiday, der von allen als "Lady of Jazz" bezeichnet wird.

Sind sie nur Lieder?

Fröhlich, melancholisch, ironisch, kontrovers, kultiviert oder beliebt: Das Lied mit seinen tausend Schattierungen begleitet jeden Moment des Lebens. Manchmal ist es banal und albern, aber nicht selten baut es auf schönen Melodien auf und verursacht große Emotionen.

Das kultivierte Lied

Im deutschsprachigen Raum verbreitete sich ab Mozart eine Art Kulturlied, das Lied, ein Lied, das von berühmten Dichtern auf Versen gesungen wurde.

Im 19. Jahrhundert, mitten in der Romantik, komponierte Franz Schubert mehr als sechshundert Lieder: Die Stimme, begleitet vom Klavier, drückt Gefühle mit spontaner Unmittelbarkeit aus. Im WinterreiseSchubert erzählt zum Beispiel in 24 Lieder die Flucht aus der Gesellschaft eines Reisenden, der sich zum Unglück verurteilt fühlt und in der Winterkälte wandert, die alles bedeckt. Andere Komponisten wie Robert Schumann und im 20. Jahrhundert Gustav Mahler und Richard Strauss setzten die Tradition von fort Lied romantisch.

In Italien beschränkte die Vorherrschaft der Oper das Lied auf das einfachste Genre der "Salonromantik", ein melodiöses und sentimentales Lied, das junge Damen guter Familie sangen und sich selbst zum Klavier begleiteten. Einige dieser Romanzen, wie die süßen und melancholischen von Vincenzo Bellini, werden noch heute in Kammerkonzerten aufgeführt.

Singe Neapel!

Das neapolitanische historische Lied hat in der ganzen Welt ein Bild von Neapel und Italien verbreitet, das von Sonne, Meer, Mandolinen und Tamburinen gefärbt ist. Unter den bekanntesten Songs der Welt gibt es Funiculi Funicula, ein Lied, das Ende des 19. Jahrhunderts aus knisternder Musik geboren wurde. Und dann 'O meine Sonne, Komm zurück nach Sorrent und viele andere. Ein großer Dichter, Salvatore Di Giacomo, der die Leidenschaften und Hoffnungen des neapolitanischen Volkes gut kannte, schrieb die Worte großartiger und bewegender Lieder. In diesem Autor ist das Wort selbst bereits Musik. Es ist der Dialekt, in dem die neapolitanischen Lieder komponiert sind, der ihnen einen Hauch von tiefer Aufrichtigkeit verleiht, egal ob Sie über Gefühle sprechen oder eine Comic-Situation mit Bosheit und Ironie skizzieren.

Rock and Roll und der Beat

Das Rock'n'Roll wurde in den USA nach dem Zweiten Weltkrieg geboren, als wichtige technische Innovationen geboren wurden, wie die ersten E-Gitarren, die ersten Jukeboxen, Schallplatten mit 45 U / min und Verstärkersysteme, die den Klang intensivierten. Es war Elvis Presley, dessen Gitarre und Stimme jetzt schluchzend und ergreifend schluchzten, der die Musik der Afroamerikaner unter den weißen Jungen verbreitete und eine überwältigende Begeisterung für neue Rhythmen hervorrief. Von Amerika aus drang Rock wie eine Welle in die ganze Welt ein und eroberte mehrere Generationen junger Menschen.

Die musikalische Bewegung schlagen, in den sechziger Jahren in England geboren, lässt sich von der Umwelt inspirieren Beatgenerationdas heißt, diese Generation junger Rebellen und Nonkonformisten, die in jenen Jahren London und die Vereinigten Staaten bevölkerten. Die Beatles und die Rolling Stones repräsentieren ihn gut: Die ersteren gaben mit ihren Liedern mit einer rein melodischen Ader den Träumen der jüngeren Generationen eine Stimme. Die Rolling Stones brachten eine größere rhythmische Ladung und einen härteren Geist der Rebellion in die Musik.

Joan Baez und Bob Dylan drücken stattdessen die Werte der amerikanischen Friedensbewegung aus. Mit Gitarre auf der Schulter und Mundharmonika sangen sie den Protest gegen die "Kriegsherren", Rassismus und Ungerechtigkeiten.

Melodiker, Schreier und Songwriter

In Italien werden seit 1951 die "ugole d'oro", "queens" und "reucci" des Liedes beim Sanremo Festival gekrönt, das den Triumph leichter Melodien und herzliebender Reime markiert. Der Bruch mit dieser banalen melodischen Musik findet 1958 mit dem Lied von Domenico Modugno statt Im Blau blau gestrichen, ein surrealer Traum, der um die Welt geht. Lokaler Rock wurde mit geboren Dein Kuss ist wie ein Stein von Adriano Celentano, dem Ersten einer Gruppe von Schreien.

Eine Gitarre oder ein Klavier und eine Stimme, die auch nur ein wenig heiser ist, reichen jedoch für Songschreiber: Gino Paoli, Franco Battiato, Francesco De Gregori, Lucio Dalla, Paolo Conte, Francesco Guccini und Fabrizio De André erzählen wahre Gefühle, normale Dinge im Leben vor allem Träume, Enttäuschungen und Bestrebungen junger Menschen.

Musik und Bilder

Seit dem Erscheinen des ersten Tonfilms im Jahr 1927 ist die Beziehung zwischen Musik und Kino immer enger geworden. Von Kino über Fernsehen bis hin zum Internet präsentiert uns jeder Kommunikationskanal Bilder, die mit Musik verbunden sind.

Kraft der Musik

Die Bilder eines Films zeigen einen Mann, der eine einsame Straße entlang geht. Seine Schritte sind mit aufgeregten und schrillen Klängen von Geigen verbunden: Der Betrachter sieht nichts Gutes voraus. Wenn jedoch dieselben Bilder von einer warmen und einhüllenden Melodie begleitet werden, die den Celli anvertraut ist, stellt man sich ein glückliches Treffen zwischen zwei Liebenden vor. Dies ist die Kraft und Funktion der Musik: die Wahrnehmung des Gesehenen vollständiger zu machen, das, was noch nicht geschehen ist, vorwegzunehmen, das Gedächtnis und die Konzentration zu fördern.

Sogar in den Tagen des Stummkinos ertönte Musik in den Vorführräumen: Ein Pianist, ein Organist oder sogar ein ganzes Orchester kommentierte den Fortschritt von Ereignissen mit einem als angemessen erachteten musikalischen Hintergrund. Außer in seltenen Fällen handelte es sich um eher generische und sich wiederholende Musik, die je nach Inspiration und Fähigkeit der für das Spielen zuständigen Musiker variabel war.

Musik für das Kino

Mit dem Aufkommen des Tonkinos wird Musik zusammen mit Dialogen und Geräuschen oder Geräuschen Teil des Soundtracks des Films. Von diesem Moment an hat jeder Film seine eigene Musik, die der Regisseur sorgfältig auswählt, mit einem Musikerexperten für diese Art von Kompositionen zusammenarbeitet oder auf das umfangreiche Repertoire bereits vorhandener Musik zurückgreift.

Im Soundtrack eines Films gibt es oft sehr unterschiedliche Musik: Opernromane, sentimentale Lieder, Fragmente von Symphonien oder Konzerten, Jazz- oder Tanzmusik. Zum Beispiel in 2001: Eine Weltraum-OdysseeDer amerikanische Regisseur Stanley Kubrick wirbelt eine Raumstation im Rhythmus einer fantastischen Walzerfahrt. Eine ungewöhnliche, riskante, ironische Gegenüberstellung zwischen einer Musik, die mehr als hundert Jahre zuvor für die elegante Wiener Aristokratie geschrieben wurde, und dem Science-Fiction-Weltraumabenteuer einer Gruppe von Astronauten.

Kino für Musik

Im Laufe seiner Geschichte hat das Kino viele Male auf viele verschiedene Arten über Musik gesprochen: zum Beispiel durch Filme, die auf Opern und Musicals basieren. Auf Arbeit Die magische Flöte Der schwedische Regisseur Ingmar Bergman und der Italiener Emanuele Luzzati widmeten sich Mozart in sehr unterschiedlichen Formen, der eine sehr farbenfrohe Comic-Version davon schuf.

Dann gibt es unzählige Filme, die mit mehr oder weniger wahrheitsgemäßen Akzenten das Leben großer Musiker erzählen und ihre Musik hören lassen. Ein Beispiel unter vielen ist Amadeus (Mozart natürlich.), Von dem amerikanischen Regisseur Milos Forman, basierend auf der Oper und Persönlichkeit des brillanten österreichischen Komponisten.

Schließlich werden einige Filme mit der Absicht gedreht, Kindern wichtige Musik näher zu bringen. Walt Disney dachte zuerst daran. Er hat ein Meisterwerk der Animation geschaffen, Fantasie, was Paul Dukas 'Musik unvergesslich machte, bei deren Klang der Zauberlehrling Mickey seine Katastrophen verursacht, das Hüpfen Tanz der Stunden von Amilcare Ponchielli, interpretiert von einer Gruppe Flusspferde in bonbonrosa Tutus, der Sechste Symphonie von Beethoven, der mit seinen Notizen den Sturm umhüllt, den Jupiter auf einer ruhigen Landschaft mit Nymphen, Faunen und Zentauren entfesselt hat.

Was ist Videomusik?

Videomusik ist die prägnanteste und schnellste Form der audiovisuellen Kommunikation. Aus dem Videoclip als Werbung für ein Lied geboren, hat es allmählich eine autonome Sprache erlangt. Viele Pop-, Rock- und Rap-Sänger verlassen sich auf eine neue Kategorie von Bewegtbildkünstlern, um ihre Songs zu promoten. Mehrere Fernsehkanäle beleben eine nahezu ununterbrochene Programmierung dieser Musikvideos.

Musik und neue Technologien

Moderne Technologie hat sowohl die Produktion als auch das Musikhören verändert. Wenn Sie früher viel reisen mussten, um ein Konzert zu hören, können heute stundenlange Musik in Geräten, die so klein wie eine Packung Kaugummi sind, buchstäblich in Ihre Tasche passen.

Die neuen Arten der Musik

Die Künstler waren immer bereit, die Veränderungen in der heutigen Gesellschaft zu antizipieren. Für den Hörer ist es schwierig, alle musikalischen Neuheiten, die Jahr für Jahr auftreten, mit großer Geschwindigkeit zu verfolgen. Seit dem Ende des 19. Jahrhunderts haben Musiker nach neuen Quellen und neuen Arten von Klängen gesucht, zum Beispiel haben sie begonnen, Raum für Lärm zu schaffen: Schlagzeug oder Geräte wie die Windmaschine oder die Sirenen von Schiffen. Oder sie legten Wert auf das Fehlen von Ton, das heißt auf das Schweigen, wie im Fall von John Cage, einem amerikanischen Musiker, der 1952 ein provokantes Stück mit dem Titel komponierte 433″ In dem der Protagonist zum ersten Mal Stille ist. für vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden!

Neue Werkzeuge für neue Sounds

Heute bieten komplizierte Geräte dem Komponisten eine Reihe von Möglichkeiten und Anregungen zum Spielen mit Klängen, die Mozart, Schubert oder Verdi sich nie vorgestellt haben.

Vor ungefähr vierzig Jahren wurde der erste gebaut Synthesizer, ein elektronisches Musikinstrument, das Musik über elektronische Schaltkreise produzieren kann und von fast allen Rock- und Popbands verwendet wird. Das SamplerMit einer neueren Erfindung können Sie Instrumente hinzufügen oder entfernen, um von Zeit zu Zeit einen ganzen Chor, die sanfte Stimme der Harfe oder das Rollen der Trommeln zu imitieren und in einigen Fällen die Klangsubstanz von a zu verzerren Musikstück.

Die Verwendung von Synthesizern und Samplern kennzeichnet diese besondere Form des musikalischen Ausdrucks, die durch die elektronische Musik.

Komponisten… elektronisch

Einige Komponisten haben in ihrer Produktion mit elektronischer Musik experimentiert. Einer der frühesten und bekanntesten ist der Deutsche Karlheinz Stockhausen. 1960 vollendete er ein Stück mit dem Titel Kontakte Dies zeigt bereits im Titel eine Verbindung zu elektrischen Schaltkreisen: Klavier und Schlagzeug verschmelzen mit den auf einem Magnetband aufgezeichneten Klängen in Kontakten, die manchmal sanft, häufiger hart und eckig sind.

In jüngerer Zeit hat der Komponist Brian Eno die Klänge auf unterschiedliche Weise manipuliert: Er hat das sogenannte geschaffen Umgebungsmusik, die auch Geräusche und Rauschen verwendet, die in bestimmten Umgebungen erzeugt werden. Eno schuf Klanginstallationen mit Keyboards und Synthesizern und erfand Rhythmen, die von den Echos des Ostens über Stammesvorschläge bis hin zu Technomusik.

Musik hören, gestern und heute

Weniger als ein Jahrhundert ist vergangen, seitdem mit sperrigen und lauten Trompeten-Phonographen das „Wunder“ erreicht wurde, eine musikalische Darbietung im eigenen Haus zu reproduzieren. Es schien eine großartige Leistung zu sein. Dann kam das Grammophon, auf dem die sehr fragilen Schallplatten mit 78 U / min abgespielt wurden, die einige Minuten Musik enthalten konnten, und dann durch die Mikrorille mit Schallplatten mit 33 und 45 U / min ersetzt wurde. In den achtziger Jahren des letzten Jahrhunderts gab es die sogenannte digitale Revolution, eine neue Art der Musikaufnahme, die auf der Umwandlung des Tonsignals in den für die Computersprache typischen Binärcode basiert. So erschienen kleine CDs, CDs, die mehr als eine Stunde aufgenommene Musik mit erstaunlicher Qualität aufnehmen können. Heutzutage benötigt Sound kein physisches Medium wie eine Festplatte, ein Band oder eine CD mehr: Mit digital können Musikdateien erstellt werden, die im Internet übertragen werden.

Wo wird in Zukunft Musik gekauft?

Die Erfindung komprimierter Musikdateiformate hat eine intensive und sehr schnelle Verbreitung von Musik über das Internet ermöglicht und den Aufnahmemarkt revolutioniert. Jeder kann heute seine Musik aufnehmen und weltweit kostenlos über das Netzwerk übertragen. Es ist wahrscheinlich, dass in Zukunft sogar die großen Plattenfirmen die Musik über ihre Websites vertreiben werden, indem sie dem Kunden eine Musikdatei und keine CD mehr zur Verfügung stellen.

Fantastische Bibliothek

"Oh, Prinz! / Nimm dieses Geschenk von mir an / unser Souverän schickt es dir / Die Zauberflöte wird dich beschützen und dich im größten Unglück unterstützen ... Damit kannst du dich als allmächtig betrachten / du kannst menschliche Leidenschaften ändern / das traurig wird glücklich / Liebe wird den Junggesellen gewinnen. "

Weder Die magische Flöte von Mozart singen die Brautjungfern der Königin der Nacht diese Verse und geben Prinz Tamino eine goldene Flöte. So bewaffnet, nicht mit einem Schwert, sondern mit Musik, macht sich der hübsche junge Mann auf die Suche nach Prinzessin Pamina. Das Werkzeug hat wirklich große magische Kräfte und Tamino erkennt es bald. Die süßen Melodien der Flöte verzaubern sogar die Tiere des Waldes und öffnen unerwartete Passagen, die es dem Prinzen ermöglichen, Flammen zu überqueren oder unsichtbare Brücken zu überqueren, die gigantische Wasserfälle überspannen.

Derjenige, der den Prinzen auf dem Abenteuer begleitet, ist Papageno, eine lustige Figur mit Federn, die im Auftrag der Königin der Nacht Vögel fängt. Wie jeder Vogel weiß er, wie er Beute für sich gewinnen kann, um sie zu Gefangenen zu machen. Sein Jagdinstrument ist eine einfache Flöte, nicht aus Gold, sondern aus Schilf, ein Instrument, das durch seinen Klang besticht. Von diesen bezaubernden Musikern gibt es immer noch einige auf der ganzen Welt, und jeder von ihnen hat eine bestimmte Fähigkeit entwickelt. Das Beste von allem ist zweifellos der Rattenfänger von Hameln. Die Geschichte beginnt in dem Jahr, in dem diese Stadt von einer Geißel heimgesucht wird: In lebender Erinnerung hat es noch nie eine solche Invasion von Ratten gegeben. Nagetiere sind überall. Sie beißen Kinder, erschrecken Frauen, verschlingen die Vorräte für den Winter. Sie töten sogar Katzen.

Kurz gesagt, eine echte Katastrophe! Aber eines Tages kommt ein Pfeifer in die Stadt. Auf den ersten Blick scheint er nur ein Reisender zu sein. Groß, dünn, mit durchdringenden blauen Augen und lockerem Haar über den Schultern. Er trägt weder Gepäck noch Pferd. Mit ihm hat er nur einen langen Umhang, halb gelb und halb rot, der ihn vor der Kälte schützt, und eine Flöte, mit der er seinen Lebensunterhalt verdient. "Gib mir drei Säcke Goldmünzen und ich verspreche, die Ratten heute Abend loszuwerden.", gibt er zuversichtlich an, sobald er von dem Problem erfahren hat. Verärgert über die Situation akzeptieren die Einwohner den Vorschlag, ohne zu viele Fragen zu stellen. Es ist offensichtlich, dass sie noch nie von der Kraft bestimmter Flöten gehört haben. Am Abend beginnt der Pfeifer jedoch, Flöte durch die Straßen der Stadt zu spielen.

Die Musik breitet sich leicht in der Luft aus und dringt an jedem Ort leicht ein, bis sie die Ohren von Ratten erreicht, die zu Tausenden aus Häusern und Untergründen kommen. Wie von der süßen Melodie hypnotisiert, folgen die Nagetiere dem Spieler in Prozession zur Schlucht am Fluss und ertrinken dort nacheinander. Was für eine große Erleichterung für alle! Sobald das Problem gelöst ist, weigern sich die Einwohner, die vereinbarte Summe zu zahlen. Also beschließt der Pfeifer, sich für das Unrecht zu rächen, das er erlitten hat. Diesmal braucht er nur drei Noten, um zu bezaubern, nicht die Mäuse, sondern die Kinder der Stadt. Vom Klang der Flöte verzaubert, kommen die Kleinen aus ihren warmen Betten, gehen die Treppe hinunter, erreichen die Straße und folgen selbstbewusst dem Musiker, der sie zum großen Berg führt, wo sie für immer verschwinden werden.

Damit Musik bezaubernd ist, braucht man zunächst gute und saubere Ohren, die dem berühmten König Midas fehlten. Während eines musikalischen Wettbewerbs zwischen Gottheiten fordert der Monarch den Sieger Apollo heraus und zieht seine Aufführung der Panflöte vor. Es ist unmöglich, Apollo verständlich zu machen, dass alle Geschmäcker Geschmäcker sind, wenn es um Musik geht! Apollo hört keinen Grund und rächt sich sofort für die Straftat, die er erhalten hat. Die Ohren des verrückten Königs beginnen sich zu verlängern und füllen sich mit harten schwarzen Haaren wie die eines Esels. Um nicht ausgelacht zu werden, muss Midas diese Schande unter einem langen spitzen Hut verstecken. Nur der Dienerfriseur ist sich der Transformation bewusst.

Der Mann ist vertrauenswürdig und der König kann friedlich schlafen. Sicherlich ist es die Angst, bestraft zu werden, die seinen Wunsch, das Geheimnis zu enthüllen, zurückhält. Aber der Friseur hat das Gefühl, dass er nicht mehr lange durchhält. Also, bevor es zu spät ist, gräbt der arme Kerl ein Loch in den Boden und flüstert hinein, was er weiß, in die Ohren seines Herrn. Dann schließt er alles sorgfältig und kehrt glücklich zurück, das Geheimnis der stillen Erde anvertraut zu haben. Nach einiger Zeit beginnen auf derselben Wiese einige Schilftriebe zu sprießen, die bald groß und flexibel werden und ein Dickicht bilden. Seitdem, wenn der Wind die Binsen bewegt, verwandeln sich diese einfachen Schilfrohre in Flöten, die murmeln:

"König Midas hat Eselsohren. König Midas hat Eselsohren".

Wenn Sie sich in der Nähe eines Schilfhains befinden, versuchen Sie, dem Geräusch des Windes in den Zweigen zu lauschen. Möglicherweise finden Sie einen Ansturm, der eine Geschichte erzählen möchte. So passiert es einem malaysischen Hirtenjungen, der eines Tages von dem Lied angezogen wird, das aus einer großen Gruppe von Schilf stammt. An diesem Ort war vor Jahren ein junger Prinz von seinem neidischen Bruder getötet worden.

"Bitte mach mir eine Flöte und nimm mich mit, damit jeder meine Geschichte hören kann."flüstert eine traurige und süße Stimme zusammen. Schnell schneidet der Junge den Stock, bringt ihn an den Mund und hört begeistert auf die schmerzhafte Geschichte des Prinzen. Das Echo der sprechenden Flöte macht bald die Runde der Städte und jeder eilt, um es zu hören. Sogar der König, der es hört, ist bewegt und erkennt die Stimme seines verlorenen Sohnes.

Wenn wir nicht das Glück haben, ein sprechendes Rohr zu finden, haben wir immer die Möglichkeit, das Instrument selbst zu bauen.

„Also frage ich Eric den Roten:„ Wie macht man eine Flöte? “Er nickt mit dem Kopf in eine Ecke des Alten Gartens und streitsüchtig. "Perfekt für Flöten", sagt er. Er lächelt, hebt die Flöte und die Musik breitet sich aus und steigt um mich herum. "

Paul lässt es nicht zweimal wiederholen. Er geht ins Schilf, schneidet einen Bambus und rennt in den Geräteschuppen, um an den Stellen, die Eric der Rote auf dem Rohrstück markiert hat, Löcher zu bohren. Ja, Eric. Wenn Pauls Vater wüsste, dass er einen der vielen Fremden, die hungrig und arbeitslos durch Australien streifen, um etwas bittet, würde er damit nicht durchkommen.

Paul wuchs mit Musik in den Ohren auf: dem Trillerpfeifen seines Vaters und dem Summen des Klaviers seiner Mutter. Dann, mit Armut, wurde auch ihr Zuhause traurig und still. Aber der Junge hat Musik im Blut. Er kann nicht anders, als es sich vorzustellen. Er tut dies, wenn er die Kuh melkt, wenn er Holz schneidet und sogar wenn er in der Schule ist. Aber jetzt wird er dank Eric eine Flöte bauen.

"Ich löse es aus dem Griff, blase den Staub weg, lege ihn an meine Lippen. Der Winkel muss falsch sein: Ich bekomme nichts als einen quietschenden Luftstoß. Ich lege meine Finger auf die Löcher und blase erneut, hebe und senke einen Finger zu einer Zeit. Die Noten tauchen auf wie das Lied heiserer entfernter Vögel, aber die Musik ist da, wenn ich die Geduld habe, danach zu suchen. "

Die Flöte ist ein einfaches Instrument, das nach Gehör gespielt werden kann. Mit den wenigen Anzeichen von Eric, dem Vagabundenpfeifer, lernt Paul, seine Finger zu positionieren und nach den ersten Noten zu suchen. Er gibt angesichts der anfänglichen Schwierigkeiten nicht auf. Und der Zauber, der echte Musiker trifft, findet wieder statt: Langsam füllt das Instrument seinen Kopf und sein Herz und der Junge wird eins mit seiner Flöte.

Wie Paul liebt auch Mila Musik. Mila ist ein besonderes Kind, ein Delphinkind. Sie hat weder Schwanz noch Flossen, wurde aber von einer Delfinschote aufgezogen, sodass sie sich nicht ganz menschlich fühlt. Er hält sich immer noch für einen Fisch, fühlt und handelt wie sie. Seit sie an einem Strand in Florida gefunden wurde, lebt sie eingesperrt in einem Zentrum, in dem eine Gruppe von Forschern sie untersucht, als wäre sie ein Zirkustier.

Es ist Dr. Beck, der Mila eines Tages eine Flöte bringt. Sie fand, dass das Delphinmädchen gerne Männermusik hört. Das Meer, in dem das kleine Mädchen lange Jahre verbrachte, war voller Dinge zu hören, und dort lernte das kleine Mädchen, den Gehörsinn zu nutzen, um zu überleben. Aber es fällt Mila schwer zu erklären, wie sie sich fühlt, wenn sie Musik hört. Es ist, als ob etwas sie innerlich berührt, etwas Mächtiges, das sie sagt "Mehr als die Noten, mehr als die Töne. Musik wird nicht nur mit den Ohren gehört".

Die Musik erinnert sie an das Leben unter ihren Delfinfreunden. Wenn Mila die Flöte sieht, ist sie sofort begeistert: Sie ist wunderschön, glatt wie das Innere einer Muschel. Als der Arzt ihre Freude sieht, ermutigt er sie und besteht darauf, dass sie lernt, sie zu benutzen.

Das Delphin-Mädchen hat Spaß mit der Flöte, lernt schnell die Sprache der Musik. In seinen Händen wird das Werkzeug magisch. Die Noten beginnen eine neue Melodie zu bilden. Es ist eine seltsame Musik, die den Geschmack von Nostalgie hat. Im Inneren ertönt das Brechen von Wellen, von Fischen, die leicht im Wasser gleiten. Es hat die Farbe von Delfinen, die in die Wellen springen und tauchen. Es schmeckt wie der Ruf eines Wals, der nach seinem Partner sucht. Diese Musik ähnelt weder Mozarts Musik noch der, die sie im Radio spielen. Aber es ist sein Lied, das Lied von Mila, dem Delphinkind. Und wenn diese Musik spielt, spürt das kleine Mädchen, dass alle anderen Menschen etwas in ihren Herzen fühlen. ((Maria Cristina Paterlini)

Robert Browing, Der Rattenfänger, in Giuliana Pandolfi (Hrsg. von), In den Märchen, Nicola Milano, Frignano1978

Cristina Del Mare, Die sprechende Flöte, im Märchen und Legenden von Malaysia, Arcana, Mailand 1993

Garry Disher, Die Bambusflöte, Mondadori, Mailand 1998 [Abb.]

Jacob und Wilhelm Grimm, Der Rattenfänger von Hameln, Franco Panini Verlag, Modena 1994 [Abb.]

Karen Hesse, Die Musik der Delfine, Fabbri, Mailand 2002 [Abb.]

Viviane Lamarque, Maria Battaglia, Die Zauberflöte: aus dem Werk von Wolfgang Amadeus Mozart, Fabbri, Mailand 2001 [Abb.]

Neil Philip, Die Ohren von König Midas, im Das illustrierte Buch der Mythen aus aller Welt, Fabbri, Mailand 1996 [Abb.]

Roberto Piumini, Die tausend und eins Noten, Bompiani, Mailand 1999 [Abb.]

Emanuel Schikaneder, Die magische Flöte, in Marco Beghelli (Hrsg. von), Alle Mozart-Libretti, Garzanti, Mailand 1999


Die Kunst, Klänge zu imitieren. So "sprechen" Papageien unsere Sprache ...

Nach dem Erfolg des Buches "Ticino Wild" kommt ein weiterer interessanter Artikel über die Welt der Tiere. Alessandro Pobbiati spricht diesmal über Papageien ...

Wir wählen sie für ihre hellen und abwechslungsreichen Farben, wir betrachten sie mit Sympathie, weil für alle die Papageien Sie sind unsere „sprechenden“ Heimvögel, eine Eigenschaft, die sie in ihrer Art einzigartig macht. Aber wie "sprechen" sie unsere Sprache? Und warum machen sie das?

Genauer als zu sprechen Diese großartigen Tiere wissen, wie man einige Geräusche reproduziert! Sie sind perfekte Nachahmer!

Der "Sittich" -Papagei

Der Ton, den sie wiedergeben, wird durch die Luft erzeugt, die durch die Luftröhre und die Spritze (Stimmorgan) strömt. Tatsächlich hat der Papagei ein Atmungssystem, das dem menschlichen sehr ähnlich ist, und dank der Kompression und Expansion dieser Strukturen kann der Vogel das Luftröhre, der Kanal, in dem Luft zwischen Lunge und Rachen strömt, und der Spritzen Am Ende des Rachens platziert, können sie viele Geräusche reproduzieren, sogar die menschliche Stimme. Durch Ändern der Kurve der Luftröhre kann der Papagei es schaffen Modulieren Sie die Intensität oder Dauer des Klangs und Sie können es daran sehen, wie er seinen Hals bewegt, während er komplexere Wörter pfeift oder imitiert.

Es ist besser, dies sofort anzugeben Nicht alle Papageien sprechen, aber es gibt einen körperliche Veranlagung Dies schränkt die Möglichkeiten des gesprochenen Ausdrucks eines Papageien ein oder erhöht sie und variiert je nach Art. Selbst wenn es eine gewisse Veranlagung für Arten gibt, ist die Fähigkeit, die menschliche Stimme zu imitieren, dennoch vorhanden eine individuelle Einstellung die im Laufe der Zeit stimuliert und trainiert werden muss. Jeder Papagei es wird seinen eigenen Weg entwickeln Wörter zu reproduzieren, basierend auf dem Größe der Luftröhre und auch zum Position der Zunge, was je nachdem, wie es bewegt wird, den Luftstrom, der den Klang transportiert, verbessern und regulieren kann, genau wie wir es tun, wenn wir singen!

Aber jetzt kommen wir zum Kern des Problems. Warum sprechen sie?

Es wird nicht gesagt, dass alle Papageien sprechen: Damit dies geschieht, ist es notwendig, dass wohl fühlen an dem Ort, an dem er lebt und hat eine gute Beziehung aufgebaut mit seinen Besitzern. Es sollte daher geliebt und unter den bestmöglichen Bedingungen gehalten werden, damit es ein gutes psychisches Gleichgewicht hat, und dann sollte es natürlich Zeit gewidmet werden mit ihm plaudern. Die Besonderheit des Papageis besteht darin, dass er Wörter mit konkreten Handlungen kombiniert, so dass die Assoziationen von Ideen dazu führen können, dass er auch in den sozialen Beziehungen Vorteile hat. Und hier lernt er zum Beispiel a Sag Danke nach Erhalt von Essen oder a grüßen Menschen, wenn sie sein Zimmer betreten, oder er wird verstehen, wenn er gerufen wird sein Name und auf die gleiche Weise wird er die Namen der Menschen kennen, die mit ihm leben. Es ist offensichtlich, dass es für den Papagei umso einfacher ist, ein Wort zu lernen und es daher zu verwenden, je mehr es in seiner Gegenwart verwendet wird. Der Papagei hat den Vorteil, schnell zu verstehen, dass eine bestimmte Zeile einer bestimmten Antwort entsprechen muss, sodass er mit den Wörtern und Geräuschen, die er hört, sein eigenes kleines Vokabular erstellt.

Papageien sind, wie Sie gut verstehen können, sehr intelligent und in freier Wildbahn zum Beispiel einige Papageienarten wie der Sittich mit der Orangenfront. Sie können sich sogar in riesigen Kolonien versammeln, wo sie komplexe soziale Verhaltensweisen wie Kommunikation entwickeln. Einige Studien der Universität von Aarhua in Dänemark haben gezeigt, dass diese Tiere Geräusche perfekt reproduzieren können, um miteinander, aber auch mit anderen Tieren zu kommunizieren. Neben der menschlichen Stimme, die die typische Nachahmung von Papageien darstellt, können diese Tiere praktisch alle Vogelarten und viele andere Tiere nachahmen. Die Technik ist eine listige Methode der Jagd und Nahrungssuche. Eine der faszinierendsten Theorien erklärt dieses Phänomen ausgehend von der Beobachtung des tierischen Instinkts.

Tatsächlich ist die Tendenz zur Kommunikation das Vorrecht vieler Arten, und was passiert, wenn sie diese Praxis nicht ausführen können? Sie passen sich an! und perfekt die Stimme derer um sie herum imitieren.

Neben diesen Tieren gibt es in der Tierwelt noch andere Meister der Nachahmung. Eine der häufigsten ist die indische Amsel, auch als religiöse Gracula bekannt, leicht in freier Wildbahn in den tropischen asiatischen Gebieten Indiens, Sri Lankas, Indonesiens, der Philippinen, Pakistans und Malaysias zu finden, aber auch in vielen unserer Kindergärten sichtbar. Die indische Amsel ist ein integraler Bestandteil einer sehr zahlreichen Familie, die aus 32 verschiedenen Arten besteht. Sie ist ein sehr intelligenter Vogel, der es liebt, die Geräusche anderer Vögel in der Natur nachzuahmen. Die Amsel ist leicht zu erziehen: besitzt die Fähigkeit, Töne und Töne, Wörter oder sogar ganze Sätze mit äußerster Sicherheit zu reproduzieren. Diese angeborene Neigung ist in der Natur nützlich, um Raubtiere zu verwirren. Es ist genau dieses Merkmal der Amsel, das sie aus religiöser und heiliger Sicht in den Herkunftsländern geweiht hat. Der Ruf als sprechender Vogel hat dazu geführt, dass er in Indien auf der Hand des Gottes Rama abgebildet wurde.

Aber in der Natur Die besten Nachahmer sind die Vögel der Familie Menura. Diese Vögel, die überwiegend in Australien leben, sind auch Sprüche "Lyre Vogel" wegen der zwei riesigen Schwanzfedern (die Federn, die sich am Ende des Schwanzes befinden), die Männer für die Werbung verwenden. Das Außergewöhnliche an diesem Vogel sind jedoch nicht die Federn, wie man meinen könnte, sondern seine Fähigkeit, die unterschiedlichsten Geräusche sofort nachzuahmen, vom Schrei anderer Vögel bis zu mechanischen Geräuschen. Der Lyre-Vogel hat ein eisernes Gedächtnis. Wenn er lernt, einen Ton zu reproduzieren, wird er kaum vergessen. Dieses fantastische BBC-Video zeigt die außergewöhnlichen Fähigkeiten des Lyra-Vogels, des Zauberers der Klänge.


Nachahmung oder Kommunikation?

Die Analyse der vom Delphin abgegebenen Geräusche wurde von Mel Cosentino, Doktorand in Naturschutzbiologie an der Universität von Strathclyde, durchgeführt.
"Wir beabsichtigen, Kylies Verse erneut aufzuzeichnen, sowohl wenn sie alleine ist als auch wenn sie mit der Gruppe der Schweinswale zusammen ist", erklärte er.
"Wir wollen verstehen, ob er sich darauf beschränkt, kleine Wale zu imitieren, ein bisschen wie Menschen, wenn sie Hunde spielerisch bellen, oder ob er tatsächlich versucht, mit ihnen zu kommunizieren."
Wenn die neuen Analysen die zweite Hypothese beweisen, würde die wissenschaftliche Gemeinschaft zum ersten Mal mit einem konkreten Beweis konfrontiert, dass Delfine die Sprache anderer Arten lernen können.


Index

  • 1 Etymologie
  • 2 Beschreibung
    • 2.1 Abmessungen
    • 2.2 Aussehen
  • 3 Biologie
    • 3.1 Stromversorgung
    • 3.2 Reproduktion
  • 4 Verbreitung und Lebensraum
  • 5 Taxonomie
  • 6 Hinweise
  • 7 Andere Projekte
  • 8 Externe Links

Der wissenschaftliche Name der Art, adsimilis, kommt aus dem Lateinischen und bedeutet "ähnlich", unter Bezugnahme auf die vermutete Ähnlichkeit, die die Deskriptoren der Art zwischen letzterer und den Dohlen finden.

Größenänderung

Es ist 23-26 cm lang und wiegt 48-53 g [3].

Aussehen bearbeiten

Dies sind Vögel mit einem robusten und schlanken Aussehen, ausgestattet mit einem großen, abgerundeten Kopf, einem konischen und robusten Schnabel von mittlerer Länge, breit und mit einem leicht hakenförmigen Ende, kurzen Beinen, langen getippten Flügeln und einem Schwanz, der kurz vor dem Körper und lang ist (wie der Rest aus dem gebräuchlichen Namen erraten werden kann) gegabelt, wobei die beiden Punkte, die dazu neigen, auseinander zu gehen, sich in der distalen Hälfte nach außen krümmen.
Insgesamt ist der Drongo mit dem Gabelschwanz den anderen afrikanischen Drongos sehr ähnlich, wie dem Drongo mit dem quadratischen Schwanz (von dem er sich durch den stärker gegabelten Schwanz und die größere durchschnittliche Größe unterscheidet) oder dem glänzenden Drongo (von dem er sich unterscheidet) die roten Augen statt schwarz und immer noch für den mehr gegabelten Schwanz) sowie den ähnlichen (und in der Vergangenheit als konspezifisch angesehenen) schwarzen Drongo, sein asiatisches Gegenstück mit einer abgerundeten Schwanzspitze.

Das Gefieder ist vollständig schwarz glänzend, mit Zimtviolett-Tönen auf den Resten, der Brust und den Seiten (wobei letztere zu grau-schwärzlich neigen können), während der Unterflügel braun-schwärzlich ist: auf dem Kopf, Rücken, Flügel und Brust weisen blaugrünliche Metallreflexionen auf, die bei direktem Lichteinfall gut sichtbar sind.
Der sexuelle Dimorphismus ist offensichtlich, wenn auch nicht extrem: Die beiden Geschlechter sind sich zwar ähnlich, die Weibchen haben jedoch eine geringere Durchschnittsgröße (hauptsächlich aufgrund des kürzeren Schwanzes) sowie eine geringere Helligkeit des Gefieders.

Bei beiden Geschlechtern sind die Augen blutrot, während der Schnabel und die Beine schwärzlich sind.

Der Gabelschwanz-Drongo ist ein Tagvogel, der alleine oder zu zweit lebt und den größten Teil des Tages auf einem Ast sitzt, um die Umgebung zu beobachten. Er ist bereit, sich auf jede auftretende Beute zu stürzen oder sich im Falle eines Auftretens mitten in der Vegetation zu verstecken einer potenziellen Gefahr: Wie alle Drongs hat auch der Gabelschwanzdrongo eine ausgeprägte Territorialität, die während der Fortpflanzungszeit noch stärker akzentuiert wird. Er greift regelmäßig Eindringlinge an, die es wagen, sich dem Nistplatz zu nähern oder die Integrität des Territoriums zu gefährden. unabhängig von Größenunterschieden. Aus diesem Grund bilden sich nicht selten, wenn ein Drongo sein Territorium beherrscht, gemischte Vogelschwärme auf dem Boden, die sich der Nahrungssuche widmen, wobei sie genau wissen, dass im Falle des Auftretens einer potenziellen Gefahr, die sich dem Tier nähert, dies geschieht beginnen Einschüchterungsrufe auszusenden und werden schließlich mit der eigentlichen Aggression fortfahren, so dass sie bequem entkommen können.

Dies sind sehr lautstarke und laute Vögel, die besonders am frühen Morgen und am Abend vokalisieren und eine Vielzahl von Anrufen abgeben, die von flüssigen und klappernden Geräuschen bis zu krächzenden Geräuschen reichen (nicht selten im Duett der beiden Partner), die sich auch als hervorragende Nachahmer erweisen und regelmäßig die Rufe anderer Vögel imitieren.

Leistungsänderung

Der Gabelschwanz-Drongo ist ein hauptsächlich insektenfressender Vogel: Die Nahrung dieser Vögel basiert auf großen Insekten (hauptsächlich Schmetterlinge, Orthopteren, Käfer und Zikaden [3]), die im Flug gefangen oder vom Boden oder von Blättern und Ästen genommen werden sowie an anderen Arthropoden und Wirbellosen und ihren Larven. Obwohl sporadisch, kann dieser Vogel kleine Wirbeltiere jagen und sich von ihnen ernähren sowie sich von Beeren, kleinen Früchten und Nektar ernähren.

Diese Tiere wurden auch beobachtet, während sie sich auf den Rücken großer Pflanzenfresser setzten, um die Hautparasiten auf ähnliche Weise wie die Bufagas zu pflücken, oder während sie ins Wasser tauchten, um zu versuchen, kleine Wasserorganismen einzufangen.
Ein Merkmal des Gabelschwanz-Drongos ist es, plötzliche Alarmrufe auszusenden, auch wenn in der Umgebung keine Gefahr besteht, so dass das von den Tieren auf dem Boden zurückgelassene Futter (unter Ausnutzung des Territorialität dieser Vögel, um sie als Wächter auszunutzen) sie fliehen, wenn sie sie hören [4]: ​​Zu den bevorzugten Opfern dieser Form des Kleptoparasitismus zählen die Garruli [5] und Erdmännchen, und aus dieser Aktivität stammen einige Populationen ein Viertel der täglich verzehrten Lebensmittel [6]. Aufgrund dieses Verhaltens glauben einige Wissenschaftler, dass Drongs die Theorie des Geistes besitzen [7].

Wiedergabe bearbeiten

Dies sind monogame Vögel, deren Brutzeit sich je nach dem betrachteten Teil des Verbreitungsgebiets ändert und sich von März bis September nördlich des Äquators und von September bis Januar südlich davon erstreckt [3].

Die Zwei Partner Sie arbeiten in allen Phasen des Fortpflanzungsereignisses zusammen: Tatsächlich bauen sie das Nest zusammen (eine sehr zerbrechliche und dünne Struktur, die durch Verflechtung von Pflanzenfasern an der Gabelung des distalen Teils eines Astes erhalten wird), sie wechseln sich beim Brüten von 2- ab 4 Eier und bei der Zucht von Nestlingen, die blind und federlos schlüpfen, fliegen sie nach etwa zwanzig Lebenstagen ab und werden etwa anderthalb Monate nach dem Schlüpfen völlig unabhängig von ihren Eltern.

Der Gabelschwanz-Drongo wird vom afrikanischen Kuckuck und vom Schwarz-Weiß-Kuckuck geschlüpft [8].


Musik und Mathematik

Dass jeder Musikakkord als numerische Beziehung konfiguriert ist, ist ein Bewusstsein, das aus der Ferne kommt, sogar aus der Republik und aus Platons Timaios. Für Cassiodorus (6. Jahrhundert) ist "Musik eine Disziplin, in der wir über Zahlen sprechen".Augustinus (4. Jahrhundert) stellt fest, dass Musik eine "sensible Emanation mathematischer Strukturen" ist. Es ist daher nicht verwunderlich, dass in den freien Künsten Musik zusammen mit Arithmetik, Geometrie und Astronomie zu den Wissenschaften der Kreuzung gehört, die mit den literarischen Disziplinen der Kreuzung den westlichen Bildungsstandard vom Mittelalter bis zum 19. Jahrhundert bildeten . Die platonische Konzeption findet sich immer noch in Nicola Cusano (1401-1464), für den Gott Musik mit ihren arithmetischen Proportionen und geometrischen Harmonien verwenden würde, um dem Universum ewige Solidität zu verleihen. Mit Galileo wird in den Diskursen und mathematischen Demonstrationen um zwei neue Wissenschaften (1638) die Analyse präziser: "Die Länge der Saiten, nicht die Spannung, ist nicht der unmittelbare und unmittelbare Grund für die Formen musikalischer Intervalle. Die Dicke , aber so gut ist das Verhältnis der Anzahl der Schwingungen und Schläge der Luftwellen, die das Trommelfell unseres Ohrs verletzen, das immer noch unter den gleichen Zeitmaßstäben zum Zittern gebracht wird ». In dem Brief an den deutschen Mathematiker Ch. Goldbach vom 17. April 1712 formuliert Leibniz die berühmte Definition: "Musica est übungsarithmeticae occultum nescientis se numerare animi" (Musik ist eine okkulte Übung der Arithmetik, bei der der Verstand sich dessen nicht bewusst ist Berechnung).

■ Die pythagoreische Skala. Der Ursprung und die Grundlage der Harmonie ist die Zahl: Dies ist die Annahme des mathematischen Paradigmas, das Musik als Wissenschaft der Klangzahl auffasst, und die Annahme der fruchtbaren Verflechtung von Musik und Mathematik, Disziplinen, die, obwohl sie zu verschiedenen kulturellen Sphären gehören, gemeinsam sind verschiedene formale Aspekte: zum Beispiel eine bestimmte Sprache, die dazu neigt, diejenigen auszuschließen, die sie nicht kennen, und die absolute Notwendigkeit, eine bestimmte Technik zu beherrschen, die lang und anspruchsvoll im Lernen ist. Der Überlieferung nach geht die Geburt der Musikwissenschaft auf Pythagoras zurück, der durch Schlagen einer Amphore voller Wasser, zu der er nach und nach eine weitere hinzufügte, entdeckte, dass dieselbe Note erzeugt wurde, aber akuter. Eine Variante der Anekdote wird von Iamblichus von Chalcis (3. Jahrhundert n. Chr.) Überliefert: Die Intuition von Pythagoras geht auf einen Schmied aus Crotone zurück, der das Eisen mit Keulen unterschiedlicher Größe hämmerte. Unter den so ausgestrahlten Geräuschen waren einige angenehmer als andere. Pythagoras nannte sie Konsonantengeräusche und entdeckte, dass sie auf Hämmer zurückzuführen waren, deren Gewichte in präzisen Beziehungen standen. Über die Anekdote hinaus bemerkten die Pythagoräer genau, dass durch Vibrieren von zwei Saiten, die der gleichen Spannung ausgesetzt waren, aber unterschiedliche Länge hatten (1/2, 2/3 und 3/4 der ersten), besonders angenehme Klänge erhalten wurden (Konsonanten) , eigentlich). Es ist die physiologische Struktur unseres Gehörs, die uns dazu bringt, die Frequenzen von Geräuschen eher multiplikativ als additiv wahrzunehmen: Kurz gesagt, mit dem Ohr "zählen" wir in geometrischem Verlauf, während wir mit den Fingern Einheit zu Einheit hinzufügen, zählen wir nach einer arithmetischen Folge.

Wie wir heute wissen, ist die Grundfrequenz (Note) des Klangs, der von einer gespannten Saite abgegeben wird, die in Schwingung versetzt wird, direkt proportional zur Quadratwurzel der Spannung, der die Saite ausgesetzt ist, und ist umgekehrt proportional zu ihrer Länge, zur Quadratwurzel von seiner Dichte und zu seinem Abschnitt. Zum Beispiel hat die Note, die von einer durch ein Vierfachgewicht gedehnten Saite ausgegeben wird, eine doppelte Frequenz: Es wird gesagt, dass es sich um ein Oktavintervall von der vorherigen handelt und als "gleich", aber akuter wahrgenommen wird. Dieselbe Beobachtung kann in Bezug auf die Länge wiederholt werden: Wenn Sie eine Saite kürzen und insbesondere auf die Hälfte ihrer Länge drücken und dann eine ihrer Hälften zupfen, erhalten Sie eine Note eine Oktave höher.

Basierend auf diesen Verhältnissen konstruierten die Pythagoräer durch Iteration des Verfahrens und Bringen der Frequenz innerhalb der ersten Oktave (das Intervall zwischen einer Note und der mit doppelter Frequenz) die Skala der sieben Musiknoten, die durch herkömmliche alphabetische Buchstaben (A, B) angezeigt werden , C, D, E, F, G), wie es in den germanischen und angelsächsischen Ländern vorkommt, oder mit Hilfe der Silben DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, ein von Guido d entwickeltes Notationssystem 'Arezzo (991-1033) in der Form UT, RE, MI, FA, SOL, LA, aus den Anfängen der Verse einer mittelalterlichen Hymne an Johannes. Die Skala besteht aus der Grundfrequenz eines Akkords, der als einheitlich angenommen und mit 3/2 multipliziert oder dividiert wird. Wenn wir also fortfahren, indem wir Fünftel auf- oder absteigen und mit 3/2 oder 2/3 multiplizieren, erhalten wir die Verhältnisse der sogenannten pythagoreischen Skala (obwohl sie tatsächlich auf Eratosthenes im dritten Jahrhundert vor Christus zurückgeht).

Die Musiktheorie des pythagoreischen mathematischen Systems basiert auf der Darstellung des musikalischen Klangs durch die Verhältnisse einfacher Ganzzahlen: des Quartärs (dh der Zahlen von 1 bis 4). Beginnend mit Pythagoras schlug jede mathematische Abhandlung im antiken Griechenland ausnahmslos ein Kapitel über Musik vor. Die pythagoreische Skala weist jedoch einige Probleme auf. Zwischen zwei aufeinanderfolgenden Noten, die einen Ton voneinander entfernt sind, d. H. C-D, D-MI, FA-SOL, G-A, A-SI, beträgt das Verhältnis 9/8 zwischen zwei aufeinanderfolgenden Noten, die einen Halbton voneinander entfernt sind - d. H. E-FA und SI- DO - das Verhältnis ist stattdessen 256/243. Mit anderen Worten, wenn Sie um einen Ton nach oben und um zwei Halbtöne nach unten gehen, kehren Sie nicht zum Ausgangspunkt zurück, da das Produkt zwischen 9/8 und dem Quadrat von 256/243 etwa 1,0136 wert ist, was (wenn auch geringfügig) unterschiedlich ist Dies impliziert, dass die pythagoreische Skala eine Spirale von Quinten darstellt, die in beide Richtungen unendlich ist.

■ Die Musik der Sphären. Die suggestive Hypothese der Harmonie der Sphären geht auch auf die pythagoreische Tradition zurück, eine Theorie, in der die Symbolik der Zahl und die mathematische Theorie der harmonischen Proportionen eng mit der Untersuchung des Ursprungs und der Ordnung des Universums verbunden sind. Nach dieser Theorie erzeugen die Sterne mit ihrer Bewegung durch den Äther Geräusche, die aufgrund ihrer konstitutiven Unvollkommenheit für das menschliche Ohr nicht hörbar sind. Die Theorie wird von Platon im letzten Buch der Republik und im Timaios nach diesem letzten Dialog beispielhaft beschrieben. Der göttliche Demiurg komponierte die Seele der Welt nach den Prinzipien der musikalischen Harmonie und teilte das Wesen der Dinge in sieben Originalteile zwei Progressionen (arithmetisch und geometrisch) mit Grund 2 und 3. Pythagoräischen Ursprungs sind auch die traditionellen Assoziationen der Planetensphären (zu der Zeit: Mond, Sonne, Merkur, Venus, Mars, Jupiter, Saturn) an den Saiten der Antike Heptachorde-Leier und von den sieben Planeten zu den sieben Klängen, die zwei Tetrachorde bilden, die sich verbinden und in einer gemeinsamen Note zusammenfallen, der Mése, ursprünglich der zentrale Akkord der Leier, auf dem die Musiker den Akkord ihres Instruments regulierten. Der alexandrinische Mathematiker Ptolemäus (2. Jahrhundert n. Chr.) Perfektionierte und artikulierte diese Analogie in der Mundharmonika und im Tetrabiblos, aber bereits Cicero (1. Jahrhundert v. Chr.) Im Somnium Scipionis (sechstes Buch von De Republica) hatte die unterschiedliche Frequenz des vom Himmel emittierten Klangs beschrieben Kugeln: Die äußeren geben höhere Töne ab und die innersten niedrigere niedrigere. Durch Macrobius (4.-5. Jahrhundert n. Chr.) Und Chalcidius (4. Jahrhundert n. Chr.) Wurde das Glück der platonischen und pythagoreischen mathematisch-musikalischen Tradition auch im frühen Mittelalter gesichert, als die alte Musik der Sphären allmählich als "göttliche Musik" übertragen wurde »Von den Planeten (realer Himmel) zum christlichen Himmel, um die harmonische Beziehung zwischen Gott und seinen Geschöpfen darzustellen. Die Lehre von der Musik der Sphären verbreitete sich im Westen als Gemeinplatz aller musikalischen Abhandlungen vor dem Jahrhundert. xviii. Es kannte auch moderne Umformulierungen von Kepler, der im dritten Buch der Harmonices mundi libri quinque (1619) die musikalischen Harmonien aus den im Kreis eingeschriebenen regulären Polygonen ableitete und sie auf die Bewegungen der Stimmen (musica instrumentalis) anwendete die Bewegungen der Natur (astrologische Musik) und die Bewegungen der Planeten (musica mundana), die Geometrie, Musik und Astronomie kontaminieren, und zeitgenössische Neuinterpretationen eines Komponisten wie Paul Hindemith (1895-1963) in dem Werk Die Harmonie der Welt (The) Harmonie der Welt, 1957).

■ Die natürliche (oder zarlinische) Skala. Die pythagoreischen Konsonanzen blieben bis zum 13. Jahrhundert die Grundlage der musikalischen Komposition. xii-xiii, als die Einführung nicht nur aufeinanderfolgender, sondern auch simultaner Klangskalen die Verwendung von Intervallen (Drittel und Sechstel) beinhaltete, die nicht mit der von Boethius (5. - 6. Jahrhundert n. Chr.) zusammengefassten pythagoreischen Theorie vergleichbar waren. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. xv, der Franziskaner Gioseffo Zarlino (1517-1590), ein Venezianer, Musiktheoretiker und Komponist, wagte es, die Autorität von Pythagoras und Boethius herauszufordern, die Wissenschaft der Klangzahlen an die moderne Musikpraxis anzupassen. In seinen harmonischen Institutionen (1558) führte er die sogenannte natürliche (oder zarlinische) Skala ein. Das pythagoreische System basierte auf natürlichen Zahlen bis zu 4 und ihren Proportionen, die zu einer Oktave (4/2 = 2) führten, die in eine fünfte (3/2) und eine vierte (4/3) zerlegt wurde, und auf die Vereinbarung DO- SOL-DO.

Die von Zarlino eingeführte Innovation berücksichtigte stattdessen auch die Zahlen 5 und 6 (von den Pythagoräern wegen ihrer mystischen oder magischen numerologischen Überzeugungen nicht akzeptiert) und ihre Beziehungen, aus denen ein Fünftel (6/4 = 3/2) hervorging ein Dur-Drittel (5/4) und ein Moll-Drittel (6/5) sowie den CEG-Akkord. In der zarlinischen Skalentabelle

Die Verhältnisse sind einfacher: Einige sind im Vergleich zu den pythagoreischen Verhältnissen unverändert, andere unterscheiden sich durch eine Größe, die das menschliche Ohr nicht wahrnimmt. Die Probleme bleiben jedoch bestehen, in gewisser Weise nehmen sie sogar zu. Während die pythagoreische Skala ausgehend von einem Ton (9/8) und einem Halbton (256/243) erstellt wurde, hat die zarlinische Skala zwei verschiedene Töne (groß und klein, 9/8 und 10/9) und einen Halbton (16 / 15). Wenn in der pythagoreischen Skala der Halbton nicht perfekt einem halben Ton entspricht, entspricht der Halbton in der zarlinischen Skala nicht perfekt der Hälfte eines der beiden Töne. Wir sehen uns weiterhin der Situation gegenüber, in der zwei Halbtöne keinen Ton ergeben und am Ende des Zyklus die beiden Noten nicht gleich sind.

Descartes im Compendium musicae (1618 verfasst, 1650 veröffentlicht) vereinfachte das zarlinische Senario, indem er in 2, 3 und 5 (die harmonische Triade) die sonoren Zahlen angab, die den Konsonanzen der Oktave, des fünften und des großen Drittels entsprechen.

■ Das Temperament. Die Lösungen für diese Probleme gingen durch das sogenannte Temperament, das darin besteht, die Instrumente leicht verstimmt zu stimmen, um die verschiedenen Intervalle ausgeglichener miteinander zu machen. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts wurde das mesotonische Temperament vorgeschlagen, das auf einem einzelnen Tonintervall von √ (5/2) basiert. Vincenzo Galilei (1520-1591), Galileos Vater, Schüler von Zarlino und Vorläufer der Barockmusik, schlug vor, die natürliche Tonleiter durch einen konstanten Halbton von 18/17 zu modifizieren. Seine Lösung wurde im frühen 17. Jahrhundert vom Mathematiker S. Stevin bestritten, der das sogenannte gleiche Temperament vorschlug. Auf diese Weise wurde verstanden, dass rationale Zahlen nicht ausreichten und dass das Beharren auf der Verwendung von Brüchen zu einer Sackgasse führte. Das Erfordernis, dass die Halbtöne gleich sein müssen, entspricht der Berücksichtigung der Gleichheit, für die das Verhältnis zwischen zwei aufeinanderfolgenden DOs gleich k 12 ist. Da die beiden DOs jedoch eine Oktave voneinander entfernt sind, haben wir die Gleichung k 12 = 2. Wir erhalten somit ein irrationaler Ausdruck für den Halbton, von dem die vorhergehenden rationalen Ausdrücke, die in der pythagoreischen und der zarlinischen Skala verwendet werden, Annäherungen durch Defekt und Übermaß darstellen. 1691 führte der deutsche Musiker Andreas Werckmeister (1645-1706) das sogenannte gute Temperament ein, ein Temperament aus 5 mesotonischen Quinten und 7 pythagoreischen Quinten, mit dem er den Quintenzyklus nahezu perfekt abschließen konnte. Seine Skala markiert einen Wendepunkt in der Musikgeschichte - es wird auch im Film Die Harmonien von Werckmeister (2000) des ungarischen Regisseurs und Drehbuchautors Béla Tarr beschrieben - und wurde von Johann Sebastian Bach (1685-1750), der es verwendete, besonders geschätzt es in seinem gut gelaunten Cembalo. Die tiefgreifende mathematische Inspiration von Bachs Musik ist allgemein anerkannt. Er liebte Zahlen und schrieb einigen von ihnen bestimmte symbolische Bedeutungen zu, so dass gesagt wurde, dass viele Seiten seiner Musik als geheime Rechenübungen konfiguriert sind.

Die Entdeckung von Irrationalen und die Konstruktion zunehmend adäquater Skalen stellen einerseits eine technische Neuerung dar, führen andererseits aber zu einem Umdenken der musikalischen Werke selbst: Das gleiche Temperament brachte zum Beispiel das Konzept der Tonalität mit sich, das mit Starke Betonung der Akkorde, dh der Beziehungen zwischen gleichzeitig gespielten Noten.

■ Das physikalisch-mathematische Paradigma: Musik als Wissenschaft des Klangkörpers. Wenn bis zur Moderne die theoretische Musik die Harmonie durch ein mathematisches Paradigma erklärt hätte, das der physikalischen Natur des Klangs gleichgültig ist, der Musikwissenschaft des Jahrhunderts xvii fand stattdessen Harmonie im Inneren des Klangkörpers. Bereits in der aristotelischen Naturphilosophie war Klang ein sensibles Qualitätsobjekt des Hörens, und Musik war eine Disziplin, die natürliche Erklärungen für das Studium der Harmonie anwendete. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts wurde G.B. Benedetti hatte die aristotelische Zeitauffassung als Maß für die Bewegung auf die von der Schallquelle in der Luft erzeugten Schwingungen angewendet und eine physikalische Erklärung der Konsonanz geliefert. Der Angriff auf die "arithmetischen Universalien" in der Musik wurde dann mit Vincenzo Galilei fortgesetzt. Er widersetzte sich der Perfektion der Zahl mit der "Erfahrung der Meistersachen", die ihm die Abhängigkeit der Klangzahl von den materiellen Bedingungen des Klangkörpers zeigte: Spannung der Saite, Abschnitt, Masse des Materials und so weiter. Das Primat der Bewegung über die Zahl war die Voraussetzung der mechanistischen Musikwissenschaft des 17. Jahrhunderts. In der Harmonie universelle (1636-37) übersetzte M. Mersenne das augustinische Konzept der universellen Harmonie in die Sprache der archimedischen Mechanik und formulierte das erste physikalisch-mathematische Gesetz der schwingenden Saite. In den Discorsi (1638) gründete Galileo Galilei die Wissenschaft der Harmonie neu und assimilierte die periodischen Schwingungen der Saite mit dem für das Pendel definierten Gesetz der einfachen harmonischen Bewegung, und die alte Wissenschaft der sonoren Zahl wurde zu einem Kapitel der Mechanik von elastische Körper. Das von Mersenne und Galileo eingeweihte Studium der physikalisch-mathematischen Gesetze der Harmonie führte zwischen Ende des Jahrhunderts xvii und der Beginn des achtzehnten bis zur Entdeckung höherer Harmonischer durch Beobachtung der gleichzeitigen Schwingungsbewegungen der Saite. Das pythagoreische Rätsel der Klangzahlen fand eine Grundlage in den physikalischen Ursachen der vom Klangkörper erzeugten Harmonie. Die harmonische Theorie des 17. Jahrhunderts, die sich der Entwicklungen in der modernen Musikwissenschaft nicht bewusst war, hatte versucht, die durch die Praxis des Basso Continuo angeregten Akkordstrukturen der Barockmusik zu rationalisieren und ihren Ursprung anhand eines Grundakkords zu untersuchen. Diese beiden autonomen Traditionen der Erforschung des Ursprungs der natürlichen und musikalischen Harmonie trafen sich zum ersten Mal in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts in den Schriften von Jean-Philippe Rameau (1683-1764). Durch die Integration des harmonischen Begriffs "Grundbass" mit dem physikalischen Begriff "Grundklang" reformierte Rameau die Theorie der Harmonie mit den Ergebnissen und Methoden der Untersuchung der experimentellen Philosophie, die mit der wissenschaftlichen Revolution des 17. Jahrhunderts geboren wurde, und erzwang Musik Tagesordnung der europäischen Wissenschaftskultur. In seiner Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels (Abhandlung über die Harmonie, die zu ihren natürlichen Prinzipien zurückgeführt wird) schreibt er: "Musik ist eine Wissenschaft, die bestimmte Regeln haben muss, diese müssen aus einem offensichtlichen Prinzip extrahiert werden, und dieses Prinzip kann es nicht sein." ohne die Hilfe der Mathematik bekannt. Ich muss zugeben, dass sich meine Ideen trotz aller Erfahrungen, die ich in der Musik durch langes Üben gesammelt habe, nur mit Hilfe der Mathematik aufgelöst haben und das Licht eine gewisse Dunkelheit erreicht hat. Ich hatte es noch nie bemerkt. "

■ Die Ausbreitung von Schall. Während des achtzehnten Jahrhunderts verstanden Mathematiker die Natur des Klangs besser und konnten seine Ausbreitung analytisch beschreiben. Um einen Klang zu erzeugen, benötigen Sie zunächst einen vibrierenden elastischen Körper (z. B. eine Schnur), der diese Vibration in Form abwechselnder Kompressionen und Verdünnungen aufeinanderfolgender Molekülschichten an die Luft überträgt. Im Jahre 1747 J.-B. Le Rond d'Alembert war der erste, der die Gleichung fand, die die Ausbreitung einer generischen Störung einer Saite beschreibt, die zwischen zwei Punkten gespannt und in Schwingung versetzt ist. Die D'Alembert-Gleichung - eine partielle Differentialgleichung zweiter Ordnung, linear und homogen - lässt als allgemeine Lösung die Summe zweier Transversalwellen zu, die sich auf dem Akkord in entgegengesetzte Richtungen ausbreiten und als progressive und regressive Wellen bezeichnet werden. Sein Beitrag wurde auch durch eine Kontroverse unter Beteiligung der drei hier betrachteten Mathematiker von Euler, der die wissenschaftlichen Grundlagen des Überlagerungsprinzips legte - jede Störung kann als lineare Kombination ebener Wellen ausgedrückt werden - und von Daniel Bernoulli (1700-1782) geklärt. , Sohn von Jacob Bernoulli, der den Klang als unendliche Summe harmonischer Schwingungen ausdrückte. Die allgemeine Lösung der ebenen Wellengleichung ist daher durch eine trigonometrische Reihe gegeben, und jeder von einer vibrierenden Saite emittierte Schall ist die Summe seiner unendlichen Harmonischen. Es ist daher möglich, die Beats und das Phänomen der Interferenz auf der Grundlage des Konzepts der "korrekten Tonhöhe" der Musikintervalle zu rechtfertigen, die nicht mehr ausschließlich auf der Praxis der Stimmgeräte beruht. Bernoulli glaubte, mittels einer trigonometrischen Reihe eine bestimmte Art von Klängen (die durch vibrierende Saiten erzeugt wurden) beschrieben zu haben, aber ein anderer großer französischer Mathematiker, J.-B.-J.Fourier kam zu dem Schluss, dass Bernoullis Lösung für jeden Klang gültig ist: Jede periodische Funktion kann durch eine trigonometrische Reihe ausgedrückt werden. Er schrieb auch über eine andere grundlegende partielle Differentialgleichung: "Wenn ihre Lösungen gehört werden könnten, würden sie uns das Gefühl musikalischer Harmonie geben."

Fouriers Beiträge befinden sich zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Im Laufe des Jahrhunderts entdeckte die Mathematik in einer Richtung, die von den inspirierenden Prinzipien des französischen Mathematikers abwich, den Geschmack für eine ausgeprägte Abstraktion und einen Formalismus, die sie vom Kontakt mit der Realität zu distanzieren scheinen. Das neunzehnte Jahrhundert ist das Jahrhundert der nichteuklidischen Geometrien, der Quaternionen, der ersten algebraischen Strukturen, der Geburt der Funktionsanalyse. Die Tendenz zu einer Mathematik, die nur dazu dient, das Prinzip der Widerspruchsfreiheit und der Zwänge zu respektieren, das sie willkürlich selbst gibt, wird im Laufe des 20. Jahrhunderts verstärkt, und die Reflexionen dieses Wendepunkts lassen nicht lange auf sich warten die Geschichte der Musik.

■ Von der Dodekaphonie zur stochastischen Musik. Als Reaktion auf die europäische romantische Tradition des 19. Jahrhunderts wurden in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts stilistische Innovationen im Bereich der Musik verzeichnet, die das Prinzip der Konsonanz / Dissonanz von Musikakkorden unterminierten. Arnold Schönberg (1874-1951) hob zusammen mit seinen Schülern Alban Berg (1885-1935) und Anton Webern (1883-1945) alle Tonnormen auf und leitete damit die Ära der Atonalität und Dodekaphonie ein, eine Kompositionsmethode, die zwölf Klänge von verwendet die chromatische Skala frei von wechselseitigen und hierarchischen harmonischen Beziehungen und neu organisiert, auch unter Verwendung kombinatorischer Techniken, nach dem Prinzip der Serie (daher die Begriffe Serialität und serielle Musik). Das konstruktive Prinzip der seriellen Musik basiert auf einer streng vorherbestimmten Abfolge von Klängen, die als Serien bezeichnet werden. Unbeschadet der Intervallverhältnisse der Serie kann die Anordnung der Töne durch Inversions-, Retrogradations- und Retrogradationsverfahren geändert werden. Transpositionen der Reihe und ihrer Ableitungen auf allen zwölf Graden der chromatischen Skala sind ebenfalls möglich. Die erste systematische Verwendung der Reihe erfolgte in den zwanziger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts im Rahmen der Dodekaphonie, auch wenn es Beispiele (wie in Igor Strawinskij, 1843-1902, und in Gian Francesco Malipiero, 1882-1973) für die serielle Organisation gibt auch in diatonischer Musik und Ton. In den postwebernischen Avantgarde-Schulen (Anfang der 1950er Jahre) wird das Prinzip der Serialisierung auf alle Klangparameter ausgedehnt, wie z. B. Klangfarbe, Dynamik, Angriffsmodi, Intensität, Dauer usw. Olivier Messiaen (1908-1992) versucht, die gleichen Techniken sowohl auf Tonhöhen als auch auf andere Elemente der Musikkomposition anzuwenden, ein Forschungspfad, der zum "integralen Serialismus" von Pierre Boulez (1925-2016) führen wird. Messiaens Interesse an Mathematik reicht bis in die Kindheit zurück: "Als ich ein Kind war, liebte ich bereits Primzahlen, diese Zahlen, die (nur weil sie nicht teilbar sind) eine okkulte Kraft ausstrahlen" (Claude Samuel, Permanences d'Olivier Messiaen. Dialoge und Kommentare 1992). Dieses Interesse wird durch die Titel einiger seiner Kompositionen bestätigt, in denen mathematische Konzepte wie Permutationen, Symmetrien, Zahlenverteilungen, Primzahlen und Periodizität auftreten. Einige der größten Komponisten des 20. Jahrhunderts haben keineswegs eine spezifische mathematische Kultur: Bevor Boulez das Pariser Konservatorium betrat, hatte er ein Mathematikstudium bei Lyon lannis Xenakis (1922-2001) absolviert, einem Komponisten und Musiktheoretiker, der unter der Unter der Leitung von Messiaen hatte er einen Abschluss in Ingenieurwissenschaften und arbeitete mit Le Corbusier an wichtigen architektonischen und städtischen Projekten wie der Schaffung des Philips-Pavillons auf der Ausstellung 1958 in Brüssel zusammen. Mit stochastischer Musik, die auf Markovs Kettentheorie basiert, führte Xenakis 1955 die Wahrscheinlichkeit in die Musik ein: Die musikalische Komposition wird durch formale Prozesse ausgearbeitet, die in probabilistischen Begriffen definiert sind. Diese Prozesse ermöglichen zwar keine genaue Bestimmung der einzelnen Ereignisse, ermöglichen jedoch die globale Kontrolle des Systems, und sein allgemeines Verhalten in dieser stochastischen Musik unterscheidet sich von zufälliger Musik darin, dass sie, obwohl sie auf Prinzipien der Zufälligkeit basiert, von diesen geleitet wird strenge formale Regeln, die das Kompositionsmodell explizit definieren. Die Musik von Xenakis gehört bereits zu einer Zeit, die durch den Einsatz von Computern und die elektronische Synthese von Klängen gekennzeichnet ist (auch wenn die Suche nach Formeln zur Musikproduktion viel älter ist): Die erste Komposition, die neue Technologien nutzt, stammt aus dem Jahr 1957, Illiac Suite für Streichquartett, erstellt vom Komponisten Lejaren Hiller (1924-1994) und vom Mathematiker Leonard Issacson von der University of Illinois. Es ist die letzte Etappe einer Reise, auf der Musik und Mathematik aus dem antiken Griechenland auf parallelen Wegen, aber sehr nahe beieinander verlaufen, so nahe, dass sie viele "Gehwege" zwischeneinander werfen können.


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  3. Waldkauz: Vers und Bedeutung Von mittlerer Größe ist die Eule ein nachtaktiver Greifvogel, der etwa ein halbes Kilogramm wiegt und nicht die Länge eines halben Meters erreicht, nicht einmal die von 40 Zentimetern. Ein Vogel wird auch anhand der Flügelspannweite gemessen und kann etwa einen Meter groß sein
  4. a hat ein Lied, das dem der Eule ähnlicher ist. Hier sind die Verse einer erwachsenen Eule
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Common Owl (Gesang) Lied. Peter Trimming Strix aluco. Andere Strigiformes. Uraleule. Scops Eule. Schleiereule. Große Kopfeule. Gemeine Eule. Gemeine Zwergeule. Waldohreule. Kurzohrige Eule. Uhu. Alaudidae (4) Alcedinidae (1) Alcidae (1) Anseriformes (25) Apodiformes (1) Ardeidae (9 Die Eule ist ein sesshafter und nachtaktiver Vogel. Ihr natürlicher Lebensraum besteht aus Wäldern mit Nadelbäumen und Laubpflanzen (den sogenannten Laubpflanzen) ) Als Nest nutzt es Hohlräume aller Art, die es in Pflanzen oder sogar in alten verlassenen Gebäuden finden kann. Sehr oft findet es auch abends Zuflucht in den Höhlen von Dachsen und Kaninchen. Eulenlied in den Wäldern des Monte Tarino - Monti Simbruini Regional Natural Park (Latium In Italien ist die Waldkauz von den Küsten bis zu 1500 bis 1800 m ü.M. überall verbreitet, solange es bewaldete, auch degradierte Umgebungen gibt. Sie besiedelt häufig Stadtzentren mit monumentalen Gebieten und Parks (Pavia, Trient, Siena, Rom, Turin, Bergamo). Geschätzte Bevölkerung in Italien (45.000-70.000 Paare)

Nichts davon, es ist der Vers der Eule, unverkennbar für diejenigen, die lernen, ihn mindestens einmal zu erkennen. Heute werden wir über diese wunderbare Art sprechen, den Strix aluco. Neben der allgemeinen Beschreibung der Waldkauz und ihres Verses werden wir auch sehen, wo sie lebt, was sie isst, wie sie nistet und welche ihre begehrteste Beute auf der Speisekarte ist allòcco. allòcco s. m. [lat. später Alucus, Ulucus und Uluccus onomatopöischen Ursprungs] (pl. - Chi). - 1. a. Greifvogel der Ordnung Strigiformes (Strix aluco), etwa vierzig Zentimeter hoch, sehr häufig in Wäldern, Parks, Gärten Nordafrikas, Europas (mit Ausnahme der nördlichsten Gebiete) und Westasiens. Gestreiftes Gefieder ,.

Die Waldkauz (Strix aluco) ist die lautstärkste Art und vielleicht die schönste, die man hören und erforschen kannLeicht zu erkennen an einem Lied, das fast einem Heulen (Männchen) ähnelt, während das Weibchen ein schrilleres und schrilleres Lied hat. Die Eule ist ein nachtaktiver Raubvogel, der alles andere als dumm ist, wie auch immer seine großen runden Augen, fest und leer, geben Es ist ein alberner Ausdruck, besonders wenn er vom Licht geblendet wird. Willst du hören, was die Eule sagt? Möchten Sie wissen, wie der Vers der Eule heißt? Wenn Sie den Artikel weiter lesen. Denken wir zunächst daran, dass die Eule ein Greifvogel der Familie Strigidae ist, der die dichten Wälder Europas, Asiens und Nordamerikas bevölkert. Es ist ein nachtaktives Tier, das sich von kleinen Tieren ernährt.

Eule. [al-lòc-co] in der geänderten Fassung (pl. -chi) 1 Nächtlicher Greifvogel mit grauem bis braunem Gefieder und großen dunklen Augen. 2 Abb. (f. -ca, pl. -che) Dumme, ungeschickte Person SÜNDE dumm, Gonzo. . Wenn er nicht singt und seine braunen Augen nicht bewegt, fordern wir Sie auf, ihn zu finden. DE: Waldkauz (Strix aluco) im Ton. Wenn.

Antworten zur Definition * Eine echte Eule * für Kreuzworträtsel und andere Puzzlespiele wie CodyCross. Antworten für Kreuzworträtsel, die mit den Buchstaben G, GU beginnen Hören Sie sich die gemeine Eule auf canti-birds.it an, eine umfassende Sammlung italienischer Vogelstimmen. Es funktioniert auch auf Ihrer mobilen Eule (Vertiefung), die einen nachtaktiven Greifvogel der Gattung Stryx (Ordnung Strigiformi) mit rundem Kopf und dunklen Augen, etwa vierzig Zentimeter hoch, singt (Zoologie) (Ornithologie). Die wissenschaftliche Klassifikation lautet Strix aluco (Taxonomie) ) (im übertragenen Sinne) dummes Individuum eine Eule (Strix aluco

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  • cia, um ein Gebiet zu verteidigen, während der Begleiter auf der Suche nach einer geeigneten Schlucht ist, um das Nest zu beherbergen. Jedes Jahr legt das Paar durchschnittlich 2-3 Eier, die nach etwa einem Monat schlüpfen
  • Herstellung der Exemplare von Strix occidentalis caurina, die im Bundesstaat Washington, Oregon und Kalifornien beheimatet sind. Seit 1960 erweitert die Steinkauz ihr Verbreitungsgebiet in Richtung Westen der Vereinigten Staaten, möglicherweise auch aufgrund der Anwesenheit des Menschen, der neue ideale Lebensräume für die Art geschaffen hat [6].
  • Aber Dummköpfe - und auch, um Schauspielerinnen zu erschrecken - verwenden ihre Lautäußerungen aus anderen Gründen. Das Männchen der Eule nutzt seinen starken Ruf, um das Territorium vor anderen Individuen derselben Art zu verteidigen, die seinen Partner untergraben könnten, und daher ist das Lied in jeder Hinsicht ein vorrangiges ethologisches Signal bei der Definition des Homeranges.
  • Es hat einen großen und abgerundeten Kopf, der sich um 270 ° drehen lässt. Die Augen sind rund und groß und von cremefarbenen Scheiben umgeben. Der Allocco ist eine weit verbreitete und in weiten Teilen Europas und Asiens verbreitete Art, die nur in Irland, Schottland, der skandinavischen Halbinsel und in Nordrussland vorkommt

Allocco - Strix aluco Atlas der italienischen Tierwelt - Vögel Systematische Klassifizierung und Verbreitung. Klasse: Vögel Ordnung: Strigiformes Familie: Strigidae Gattung: Strix Art: Aluco Die Waldkauz ist eine in Eurasien und Nordwestafrika weit verbreitete Art. Die Uraleule in Italien brütet erst seit 1994, die ersten Nester wurden in Friaul-Julisch Venetien beobachtet. Die Europäische Eule ist ein nachtaktiver Greifvogel, dh sie lebt hauptsächlich in den Stunden der Dunkelheit. Es ist auch ein geschickter Jäger, sowohl dank des Hörens als auch des Sehens, vor allem aber wegen seines Gefieders mit einer Farbe, die der der Baumrinde sehr ähnlich ist, eine besondere Eigenschaft, die es ihm ermöglicht, sich in den Wald einzufügen in Italienisch-Englisch von Reverso Kontext: Die Waldkauz ist die häufigste und am weitesten verbreitete der europäischen Strigidae